John Romão

2021-08-26T00:09:00.000+01:00

John Romão

2020-10-22T18:59:00.014+01:00

SÓ OS IDIOTAS QUEREM SER RADICAIS

Link FOTOGRAFIAS
VÍDEO-REPORTAGEM

Concepção, direcção e espaço cénico: John Romão

Textos: Mickael de Oliveira

Interpretação: Ângelo Rodrigues e John Romão

Desenho de luz: José Álvaro Correia

Vídeo: John Romão e Miguel Aguiar

Actores no vídeo: Ângelo Rodrigues e João Miguel Rodrigues

Colaboração artística: Cláudia Dias

Direcção técnica: Ricardo Madeira

Fotografia: John Romão

Produção: Colectivo 84 / Penetrarte, Murmuriu

Apoios: Câmara Municipal de Almada, ZDB

O Colectivo 84 / Penetrarte é uma estrutura subsidiada pelo Ministério da Cultura - Direcção Geral das Artes

APRESENTAÇÕES

21 e 22 Novembro 2009, Festival Materiais Diversos, Cine-Teatro São Pedro (Alcanena)

23 Março 2010, Quinzena da Juventude de Almada, Casa da Juventude de Cacilhas (Almada)

1 e 2 Maio 2010, Teatro Helena Sá e Costa (Porto)

15 e 16 Fevereiro 2011, TAGV - Teatro Académico Gil Vicente (Coimbra)

19 Fevereiro, Festival Verão Azul, Centro Cultural de Lagos (Lagos)

25 Fevereiro, Teatro Miguel Franco (Leiria)

SINOPSE

Num mundo em que a cultura pop incorpora a própria noção de risco e a manipula e encena para fins comerciais, SÓ OS IDIOTAS QUEREM SER RADICAIS pretende subverter essa lógica com a encenação de uma imagem pop, jovem e bela, e fazer do risco não um objecto de consumo de luxo, mas um objecto que se torne essencial para o nosso fundo de comércio filosófico. O único lucro será o de falar de arte e de beleza através da boca de um jovem actor, uma imagem confirmada pela sua notoriedade televisiva: Ângelo Rodrigues. Ele partilhará o palco com John Romão e abordarão quais “profetas trash”, tanto o mundo televisivo, como o mundo do teatro contemporâneo que propõem à sua maneira o que Baudrillard chamou de “complot de l’art”.

O que resta depois da imagem?

O espectáculo “Só os idiotas querem ser radicais” foi criado a partir de pressupostos simples e de uma constatação generalizada que domina hoje, mais do que nunca, as relações sociais: o poder da imagem. Independentemente da qualidade de um indivíduo, da qualidade das suas ideias e acções, o que interessa é a sua imagem, o que aparenta e apresenta. No entanto, a dicotomia parecer/ser destaca-se como cada vez mais falaciosa, visto que a própria imagem se tornou mestre dessa relação e o simulacro se sobrepôs ao próprio objecto. A coisa que age é a imagem e já não a sua retaguarda. Portanto, o teatro como mundo das aparências e dos fantasmas sociais é hoje o lugar ideal, tal como o foi durante o período barroco, para abordar esta temática.

“Só os idiotas querem ser radicais” propõe, aliado ao poder da imagem, explorar o novo mundo “pop” português formado pela televisão, por produtores, por directores de publicidade e marketing. Mas o que acontece quando se descontextualiza um produto televisivo, um corpo com a beleza próxima dos padrões gregos, e se coloca num contexto de teatro contemporâneo que visa à sua transformação? Foi o que quisemos fazer neste projecto: procurámos um jovem actor, célebre por entre uma geração, em ascensão de imagem - Ângelo Rodrigues. Famoso por ter participado na série Morangos com Açúcar e Deixa-me que te leve (TVI), desempenha quase sempre papéis de jovem belo, afável e moralmente “limpo”, dentro da norma social. O ponto de partida da criação foi exactamente este: extrair e modificar Ângelo Rodrigues, sujando tanto a sua beleza física, através de “desfigurações” performativas (pelas várias “citações cénicas” de artistas plásticos que trabalharam a deformação facial nas suas próprias obras), como a sua imagem moralmente sóbria que costuma encaixar nas normas sociais, e mesmo quando a sua imagem peca em qualquer “outdoor” audiovisual, este tem de parecer um pecador arrependido.

Em “Só os idiotas querem ser radicais” o trabalho de desconstrução da imagem é, por isso mesmo, fulcral, assim como a constatação segunda a qual estamos vindo a assistir, há já algumas décadas, à morte lenta dos intelectuais e das teorias constitutivas de devires sociais e artísticos possíveis, morte provocada pela asfixia de uma contemporaneidade que abandonou e abandona (cada vez mais) a formação intelectual e o domínio do pensamento dos valores fundamentais, para aquela se virar para um mundo totalmente simulacral, onde uma peça de roupa da Zara vale mais que um livro de Saramago, onde uma cara bonita tem mais peso que um largo currículo, quer seja num escritório de advogados, quer seja num teatro nacional. Haverá rebelião perante a pobreza do nosso Zeitgeist?

2012-01-11T14:28:00.003Z

TALLER DE TEATRO - CREACIÓN TEATRAL

con John Romão

TIMBRE 4 (Buenos Aires)
20 al 24 de febrero, 15h-18h
www.timbre4.com
+infos: timbre4@timbre4.com / timbre4verano@gmail.com

En un mundo constituido por los ejércitos de gente diferente, me interesa pensar en las motivaciones que llevan a cada artista a agir/crear de una determinada manera, hoy.

El workshop se centrará en las principales prácticas escénicas relacionadas con el domínio de la "creación", abordando mis trabajos anteriores y a algunos directores y dramaturgos que crean nuevos paisajes dramáticos y escénicos en la actualidad, con quien he contactado artisticamente. En mi trabajo exploro un lenguaje visual y poético centrado en una "escritura de escena", donde el cuerpo del intérprete es responsable de lo que está sucediendo en el escenario y donde el considerado “malo” y “errado” es muchas veces el más rico y fructífero.

Propongo explorar y disecar el Cuerpo utilizando las convenciones teatrales o desviandonos de esos límites y acercandonos a los eventos performativos, del verdadero potencial de la representación, para superar, aunque sea en modo de utopía, “lo verosímil” aristotélico. Sin jerarquías, sin pudor y tacteando los territorios de lo desconocido.

JOHN ROMÃO (Lisboa / Portugal)

Nació en 1984. Licenciatura en Teatro – Actores / Directores, Escuela Superior de Teatro y Ciné (Lisboa). Curso internacional Nouvelle École des Maîtres (Projecto Thierry Salmon), con Rodrigo García. Curso de Estéticas y Teorias del Arte Contemporáneo, Sociedad Nacional de Bellas Artes (Lisboa). Su formación incluye el contacto con artistas del teatro y de la danza: Jan Fabre, Romeo Castellucci, Wim Vandekeybus, Mónica Calle, João Fiadeiro, Vera Mantero. En teatro ha trabajado con Paulo Castro, Jorge Silva Melo (Artistas Unidos), Tiago Rodrigues (Mundo Perfeito), Jorge Andrade (Mala Voadora), Nilo Gallego, Francisco Salgado, Rodrigo García (La Carnicería Teatro), Maria João Machado, Marcos Barbosa, Jean-Paul Bucchieri y Harvey Grossman. Entre 2006-2012 fué ayudante de dirección del director hispano-argentino Rodrigo García (Prémio Europa de Teatro – Nuevas Realidades Teatrales, 2008), destacando Gólgota picnic (Centro Dramático Nacional de Madrid, 2011), Esto es así y a mi no me jodáis (Bonlieu Scène Nationale d'Annecy, 2010), Cruda, vuelta y vuelta, al punto, chamuscada (Festival d’Avignon, 2007), Arrojad mis cenizas sobre Mickey (Théâtre National Bretagne, 2006), etc. Intérprete y ayudante de dirección de Romeo Castellucci en la performance Attore il tuo nome non è esatto (Bienal de Venecia 2011).

Dirige sus obras de teatro desde 2001, destacando Horror o breve estudio sobre la parálisis (Teatro Nacional de Lisboa, 2011), Agaménon (São Luiz Teatro Municipal, 2011), El arco de la histéria (Negócio/ZDB, 2010), Muero como un país (Festival Citemor, 2010), Solo los idiotas quieren ser radicales (Festival Materiais Diversos, 2009), Velocidad Máxima (Festival Citemor, 2009), 70kg (2009), Hipólito - monólogo masculino sobre la perplejidad (2009), La dirección de la sangre (2008), Skaters (2008), Why can i be me (2005-2006), la vidéo-instalación Land Escape (2007), entre otros.

Premio Jovenes Talentos – Almada, Artes y Créatividad (2010). Fué uno de los vencedores del proyecto Emergentes – Nuevos Creadores, promovido por el Teatro Nacional D. Maria II (Lisboa, 2011). Co-dirección artística del festival Encontros de Novas Dramaturgias Contemporâneas, que promove la nueva dramaturgia portuguesa y europea. Professor invitado de la Escuela Superior de Danza (Lisboa), donde enseña Teatro. Forma parte de la dirección artística del Colectivo 84 (Lisboa). (http://ocobertor.blogspot.com / http://colectivo84.blogspot.com)

2012-01-02T01:45:00.009Z

HORROR

(2011)

MASSACRE

(2011)

AGAMÉMNON

(2011)

MORRO COMO PAÍS

(2010)

# ensaio

MORRO COMO PAÍS

(2010)

# espectáculo

VELOCIDADE MÁXIMA

(2009)

# ensaio

VELOCIDADE MÁXIMA

(2009)

# espectáculo

SÓ OS IDIOTAS QUEREM SER RADICAIS

(2009)

# entrevista

HIPÓLITO - MONÓLOGO MASCULINO SOBRE A PERPLEXIDADE

(2009)

#espectáculo

GÓLGOTA PICNIC de Rodrigo García

(2011)

ESTO ES ASÍ Y A MI NO ME JODÁIS de Rodrigo García

(2010)

CRUDA, VUELTA Y VUELTA, AL PUNTO, CHAMUSCADA de Rodrigo García

(2007)

ARROJAD MIS CENIZAS SOBRE MICKEY de Rodrigo García

(2006)

2012-01-02T01:35:00.001Z

HIPÓLITO - monólogo masculino sobre a perplexidade

fotografias de Bruno Simão

2011-09-30T15:47:00.000+01:00

MASSACRE

Link PICTURES

Texts and direction: Paulo Castro
With: John Romão and Paulo Castro
Light design: Daniel Worm D'Assumpção
Co-production: Colectivo 84 (PT), Citemor Festival (PT), StoneCastro (AUS)
Supports: Artistas Unidos, Bomba Suicida, Mala Voadora
Photography: Bruno Simão
Colectivo 84 / Penetrarte is a structure sponsored by Secretaria de Estado da Cultura – Direcção Geral das Artes.

SYNOPSIS
The Nobel Peace Prize was awarded to the Chinese political prisoner Lio Xiaobo, who was unable to receive the prize. As a way of protesting China forced several political representatives to be absent from the ceremony. The current president of East Timor and former political prisoner, José Ramos-Horta received the Nobel Peace Prize in 1996 in conditions similar to those of Xiaobo, obeyed the Chinese rules. It is in this dubious context that the play takes place: money as a way of buying human dignity and making us forget the massacres. Timor (John Romao) and East (Paulo Castro) work with weapons of grotesque, sarcasm and a trash metal soundtrack to make this scenic game hypnotic and dangerous. The mutant metamorphosis of Australia, Indonesia and Portugal make for an in your face confrontation to the East Timor crisis.

PRESENTATIONS
Citemor Festival (Montemor-o-Velho, PT): August 6th and 7th 2011 (www.citemor.com)
Negócio/ZDB (Lisbon, PT): August 9th - 13th 2011
Adelaide Fringe Festival (Adelaide, AUS): February 24th - 29th 2012

REVIEW

The show begins, Romão smokes, Castro trembles, trembles and dances – a beautiful dance -, everything already smells of aesthetics of broken, of a theatre that wants to be strong, that constitutes itself centripetal, and that radiates freedom in its thinking and doing. The theatrical space as a battlefield, where everything fits, where everything can be done and where you decide to go to the limit. And that isn’t easy. (…) It is interesting, this combination of this way of doing, bodily and visual, with another which has a bigger dramaturgy built over the character. The play holds on to a dialogue that is constant, quick and fast about the craziness of geopolitics, politics’ moral excuses, holes and mind spins that Man has to do to put up with himself, to be able to justify the ethical failure that the human genre supposes. Timor colony, Timor decolonized, then invaded, then militarized, then torn down, full of ghosts, Timor land of the United Nations, Timor border between the first and third World, of the development Australia that wants to have good locks on windows and doors, Timor the guilty and real suffering of the Portuguese, Timor pure contemporary history of the planet. (…) Onstage, there is a flag for the metal band Slayer. It is this world full of dead people where Satan, more than a denial of divine goodness, becomes a necessary sanity through the denial that is critical, the denial of the Christian goodness that is accepting of the systematic crime, affirmation of violence that is resistance. And it is that violence, treated in this show as a frail answer, that doesn’t conflict nor can it answer the real violence, that which finds itself in the space of ethical resistance. An answer that won’t achieve anything, that doesn’t give solutions but that is the answer that is left to the individual, the one of the complaint that still says “I’m here, and you won’t bring me down, I’m here and I’ll bite as soon as you come close, I’m already insane, and my insanity is my weapon, my strength”. So, in all this logic, the show ends with a metal ritual, in a spectacular absurdity of light, flames and body energy.”

Pablo Caruana (journalist, director of Sismo Festival in Madrid and theatre critic from El Pays)

www.stonecastro.com

2011-09-30T15:40:00.005+01:00

MASSACRE

ENGLISH

Link FOTOGRAFIAS

Textos e direcção: Paulo Castro
Co-criação e interpretação: John Romão e Paulo Castro
Desenho de luz: Daniel Worm d'Assumpção
Co-produção: Colectivo 84 / Penetrarte, Festival Citemor, StoneCastro (Austrália)
Residência artística: Negócio / ZDB
Apoios: Artistas Unidos, Bomba Suicida, Mala Voadora
Fotografia: Bruno Simão
O Colectivo 84 / Penetrarte - Associação Cultural é uma estrutura subsidiada pela Secretaria de Estado da Cultura- Direcção Geral das Artes e uma estrutura associada da ZDB (Lisboa) e da Casa das Caldeiras (Coimbra).

SINOPSE
O vencedor do Prémio Nobel da Paz foi entregue ao preso politico chinês Lio Xiaobo, que não pôde ir receber o prémio. A China obrigou vários representantes políticos a não estarem presentes na cerimónia de entrega, como forma de protesto. O actual presidente de Timor Leste e antigo preso político, José Ramos-Horta que recebeu o Nobel da Paz em 1996, em condições similares às de Xiaobo, obedeceu às regras chinesas. É neste contexto dúbio que a peça vai ter lugar: o dinheiro como forma de comprar a dignidade humana e de fazer esquecer os massacres. MASSACRE é sobre a imbecilidade que se estabelece entre dois intérpretes que trabalham, com as armas do grotesco e do sarcasmo e uma banda sonora trash metal, o tema de Timor de uma forma caótica. A metamorfose mutante de Austrália, Indonésia e Portugal, tornam o jogo cénico hipnótico e alucinante. O assunto é perigoso: trata, num jacto in-yer-face, de resolver as crises mundiais, o caos económico actual e, claro, os problemas de Timor-Leste. Timor (John Romão) e Leste (Paulo Castro): uma dupla explosiva.

APRESENTAÇÕES
Festival CITEMOR (Montemor-o-Velho): 6 e 7 Agosto 2011 (www.citemor.com)
Negócio/ZDB (Lisboa): 9 a 13 Agosto 2011
Adelaide Fringe Festival (Adelaide, AUS): 24 a 29 Fevereiro 2012

CRÓNICA
“Começa o espectáculo, Romão fuma, Castro treme, treme e dança – bela dança –, já tudo respira a uma estética do desfeito, de um teatro que se quer forte, que se constitui centrípeto, que irradia liberdade no pensar e no fazer. O espaço teatral como campo de batalha, onde cabe tudo, onde tudo pode ser feito e se decide ir até ao limite. E isso não é fácil. (…) É interessante essa combinação dessa maneira de fazer, corporal e visual, com outra de uma maior dramaturgia construída sobre a personagem. A peça agarra-se a um diálogo constante, rápido e veloz sobre a loucura da geopolítica, das desculpas morais da política, buracos e piruetas mentais que o homem tem que fazer para se suportar, para poder justificar o fracasso ético que o género humano supõe. Timor colónia, Timor descolonizado, depois invadido, depois militarizado, depois arrasado, cheio de fantasmas, Timor terreno de Nações Unidas, Timor fronteira do primeiro e do terceiro mundo, da Austrália do desenvolvimento que quer ter boas cancelas em janelas e portas, Timor sofrimento culpado e real dos portugueses, Timor pura história contemporânea do planeta. (…) Dentro de cena, reina uma bandeira da banda de metal Slayer. É este mundo cheio de mortos onde Satã, mais do que uma negação da bondade divina, se torna uma sanidade necessária através da negação que é crítica, negação da bondade cristã que é aceitação do crime sistemático, afirmação da violência que é resistência. E é essa violência tratada neste espectáculo como resposta frágil, que não entra em conflito nem pode responder à violência real, a que se encontra no espaço de resistência ética. Resposta que não vai conseguir nada, que não soluciona mas que é a resposta que resta ao indivíduo, a da denúncia que ainda diz “aqui estou, e não me derrubas, aqui estou e mal te aproximes mordo, já estou louco, e a minha loucura é a minha arma, a minha força”. Por isso, em toda esta lógica, o espectáculo termina num ritual metal, num absurdo de espectacularidade de luz, chamas e energia corporal.”
(Pablo Caruana, jornalista, director do Festival Sismo Madrid)

Crónica do espectáculo "La contemplación del desastre", por Pablo Caruana

Análise ao espectáculo, "Alguém se lembra ainda de Timor?", por Daniel Gamito Marques

www.stonecastro.com

2011-09-30T15:38:00.001+01:00

HORROR

or brief study about paralysis

Link PICTURES

Direction and scenography: John Romão

Texts: Mickael de Oliveira

With: Bernardo Rocha, João Folgado, Mariana Tengner Barros, Miguel da Cunha

Light Design: José Álvaro Correia

Music: Daniel Romero (.tape.)

Coreography collaboration: Elena Córdoba

Wardrobe Collaboration: Carlos Sáez Ripoll

Critic following: Paulo Raposo

Photography: Susana Paiva

Co-production: Colectivo 84 / Penetrarte, Teatro Nacional D. Maria II (Lisboa)

Colectivo 84 / Penetrarte is a structure sponsored by Secretaria de Estado da Cultura – Direcção Geral das Artes

PRESENTATIONS

National Theatre D. Maria II (Lisbon): 9th to the 26th of June 2011 (Link TNDMII)

TAGV - Teatro Académico Gil Vicente (Coimbra): 24th November 2011

SYNOPSIS

Horror questions the ability we have of paralyzing the creation of urgent utopias and stealing our sleep, by excessively revealing, in the name of the ideology of progress and profit, the mysteries of faith and the body. We propose, onstage, through tragic and festive bodies, an incursion through the impossibility of becoming naïve before a decadent political and economic scenario. We edify the legitimacy of a utopia of ingenuity, not one of slyness, but from those who try to go back to an animal state and prefer to have explained, before the gang bang theory, the origin of the universe. Or to live a long amnesia.

REVIEWS

“Everything that is good in “Horror” – the reaction to a matter of fact state, the physical and intellectual provocation, the energy and generosity of the actors and creators, the self-referential aspects, the strong moral dimension – is, using a colloquial and economistic expression, profitable.”

(João Carneiro, Expresso Actual, 18/06/2011)

“This theatre is not only political nor does it only reflect unrest or juvenile growing pains. It is a theatre that intervenes against the flow. Therefore, a primal need when change, after all, only persistently sustains society’s social, spiritual and political agony. (…) A commendable act of cultural guerilla that is capable of provoking shock.”

(Rui Monteiro, Time Out Lisboa, 21/06/2011)

PROGRAM

The body is endangered

One of the situations that led me to think this show through was when, in a porn site search, Google proposed a website that had pornographic videos and images (as we know them) along with videos and images of decapitated, gutted people with bloody bodies, which were the result of car crashes. What surprised me the most were the comments (of pleasure) from anonymous people that visited that place (of pleasure). The partial bodies or objects exposed there were immediately shown, in other words, devoured by the spectator’s eyes, escaping an “enactment”, contrary to the “portraits of young boys” (from 1400 to 1700) which present to us anonymous carriers of an introspective and enigmatic stare. The body is endangered. Before the society of the body, in which a hardcore porn film serves the didacticism for the erotic learning, the body is no longer a mystery. The face itself is, often, an inconvenience. I see how, with cyber reality disguised as knowledge, the element of mystery started to lose itself, in a dissuasion of the real to the hyper-real, from the body to its forced materialization. During six weeks of rehearsals, I worked with four young players around a vertigo of utopia, trying to answer questions that before I felt incapable of asking, because each idea and each object would resend me the image of their limitations. This utopia is bound to the hostile terrain that is theatre and that tries monstrously to hide the shame through technique. I was interested in confronting the players’ bodies with impossibilities, working on the state of frailty that makes us raise our finger or bring our hands to our faces, by finding today’s political failure and economic horror in our country. By creating a landscape of events, a place where all accidents fit, I propose to return to a kind of “origin” of theatre, working on the potency and possession that failure, utopia and party are engines of, offering the possibility of the spectator being penetrated, because it is within him that theatre, actually, happens.

John Romão (director)

Sasha Grey or the impossibility of loving

What has worried me in all the texts I’ve been writing lately is the brutality, the coldness, the irony and the superficiality with which we deal (with which I deal) with reality. The show proposes a kind of perverse hope, or, a utopia – because going back to animalism is wanting to go back to a certain state of purity, that we could call naivety. The brutality of our days is accelerated by the instruments that we invented in order to exercise a kind of domination over reality. Here, there are two fundamental instruments to propitiate us in high speed from the image, the word, the narratives: 1) deconstructionism, a theory according to which no phenomenon in our reality is natural, and 2) the internet, a great platform to accentuate the brutality – an excellent place for instant micro-narratives. The internet is the solution and the problem. It is the freedom and the coercion. We find everything and anything, but always with the purpose of revealing something that proposes the truth, that renders us sleepless. The internet is a display for all exhibition: from science’s newest discoveries to porn videos. And in either case, we are raped by knowing – a new theory that dislocates us from what we knew (and we become unstable), or a post-hardcore porno film in which the actors’ job is to vandalize the other, following Plato’s theory about the truth and the polis. All pornography is a proposal to overcome the Aristotelian theory, against likelihood. Actually, from a Judeo-Christian viewpoint, I still haven’t been able to answer the question of whether or not it is still possible to love Sasha Grey. Therefore, we propose a horror as a loss of naivety, a loss of the notion of “virginity”. The horror is, more than a strong momentary reaction to something, a profound state in which we recognize ourselves outside of the mysteries, outside of the animal world, while youth is the place (per se) which claims to continue immerse in the mysteries with which it lived through its whole childhood. Youth, adolescence, is an age (a state) of great frictions, of frequent falls, of physical and intellectual changes, of willingness to believe and to participate in certain utopias, creating for the balance, at the same time the collective, but also personal, dystopias. Therefore, the body of youth is the place par excellence for horror (and politics).

Mickael de Oliveira (dramaturgy)

2011-05-06T03:47:00.011+01:00

HORROR

ou breve estudo sobre a paralisia

ENGLISH

Link FOTOGRAFIAS

Direcção e espaço cénico: John Romão

Textos: Mickael de Oliveira

Interpretação: Bernardo Rocha, João Folgado, Mariana Tengner Barros, Miguel da Cunha

Desenho de luz: José Álvaro Correia

Música: Daniel Romero (.tape.)

Colaboração coreográfica: Elena Córdoba

Colaboração de vestuário: Carlos Sáez Ripoll

Acompanhamento crítico: Paulo Raposo

Fotografias: Susana Paiva

Co-produção: Colectivo 84 / Penetrarte, TNDMII

O Colectivo 84 / Penetrarte é uma estrutura subsidiada pelo Ministério da Cultura - Direcção Geral das Artes

APRESENTAÇÕES

Teatro Nacional D. Maria II (Lisboa): 9 a 26 de Junho 2011 (Link TNDMII)

TAGV - Teatro Académico Gil Vicente (Coimbra): 24 Novembro 2011

SINOPSE

Horror interroga a capacidade que temos de paralisar a criação de utopias urgentes e de nos tirar o sono, ao revelar-nos em excesso, em nome da ideologia do progresso e do lucro, osmistériosda fé e do corpo. Propomos, em cena, através de corpos trágicos e festivos, uma incursão pela impossibilidade de nos tornarmos ingénuos perante um cenário político e económico decadente. Edificamos a legitimidade de uma utopia da ingenuidade, não a dos sonsos, mas a dos que procuram regressar a um estado animal e preferem explicado, antes da teoria do gang bang, a origem do universo. Ou viver uma longa amnésia.

CRÍTICAS

“Tudo o que de bom existe em “Horror” – a reação a um estado de facto, a provocação física e intelectual, a energia e a generosidade dos intérpretes e criadores, os aspetos autorreferenciais, a forte dimensão moral – sairia, para usar uma expressão coloquial e economicista, a ganhar.”

(João Carneiro, Expresso Actual, 18/06/2011)

“Este teatro não é apenas político nem reflete tão só uma inquietação ou dor de crescimento juvenil. É um teatro que intervém contra a corrente. Portanto, uma necessidade primária quando a mudança, afinal, apenas sustenta persistentemente a agonia política e social e espiritual da sociedade. (...) Um louvável acto de guerrilha cultural capaz de chocar.”

(Rui Monteiro, Time Out Lisboa, 21/06/2011)

TEXTOS DA FOLHA DE SALA

O corpo está em perigo

Uma das situações que me levou a pensar este espectáculo foi quando, numa pesquisa de websites pornográficos, o Google me propôs um website que fazia conviver vídeos e imagens de pornografia (como a julgamos conhecer) com vídeos e imagens de gente decapitada, esventrada e de corpos ensanguentados, resultantes de acidentes de viação. O que mais me surpreendeu foram os comentários (de prazer) dos anónimos que visitam aquele lugar (de prazer). Os corpos ou objectos parciais ali expostos eram imediatamente dados a ver, ou seja, eram devorados pelo olhar do espectador, escapando a uma “representação”, contrariamente aos “retratos de jovens rapazes” (de 1400 a 1700) que nos apresentam anónimos portadores de um olhar introspectivo e enigmático.

O corpo está em perigo. Perante a sociedade do corpo, em que um filme pornográfico hardcore serve o didactismo para a aprendizagem erótica, o corpo deixa de ser um mistério. O próprio rosto chega a ser, muitas vezes, inconveniente. Vejo como, com a virtualidade mascarada de conhecimento, se foi perdendo o elemento do mistério, numa dissuasão do real para o hiper-real, do corpo para a sua materialização forçada.

Durante 6 semanas de ensaios, trabalhei com quatro jovens intérpretes em torno de uma vertigem da utopia, tentando dar respostas a perguntas que eu antes me sentia incapaz de formular, porque cada ideia e cada objecto me reenviavam a imagem dos seus limites. Esta utopia prende-se com o terreno hostil que é o teatro e que tenta monstruosamente esconder a vergonha através da técnica. Interessou-me colocar o corpo dos intérpretes frente a impossibilidades, trabalhando no estado de fragilidade que nos faz levantar o dedo ou levar as duas mãos à cara, ao constatar o fracasso político e o horror económico actuais do nosso país.

Ao criar uma paisagem de acontecimentos, um lugar onde cabem todos os acidentes, proponho regressar a uma espécie de “origem” do teatro, trabalhando a potência e possessão de que o fracasso, a utopia e a festa são motores, oferecendo a possibilidade do espectador ser penetrado, porque é dentro dele onde, afinal, acontece o teatro.

John Romão (encenador)

Sacha Grey ou a impossibilidade de amar

O que me tem preocupado em todos os textos que tenho escrito ultimamente, é a brutalidade, a frieza, a ironia e a superficialidade com que lidamos (com que eu lido) com a realidade. O espectáculo propõe uma espécie de esperança perversa, ou seja, uma utopia - porque voltar à animalidade é querer regressar a um certo estado de pureza, que poderíamos chamar de ingenuidade.

A brutalidade dos nossos dias é acelerada pelos instrumentos que inventámos para exercermos uma forma de dominação sobre a realidade. Há aqui dois instrumentos fundamentais para nos propiciar a alta velocidade da imagem, da palavra, das narrativas: 1) o desconstrutivismo, uma teoria segundo a qual nenhum fenómeno da nossa realidade é natural, e 2) a internet, plataforma óptima para acentuar a brutalidade – lugar por excelência das micro-narrativas instantâneas. A internet é a solução e o problema. É a liberdade e a coerção. Encontramos tudo e de tudo, mas sempre com a função de nos revelar qualquer coisa que proponha a verdade, que nos tire o sono. A internet é uma montra para toda a exibição: do conhecimento mais recente das ciências aos vídeos porno. E tanto num caso como noutro saímos violentados por conhecermos – uma nova teoria que nos desloca daquilo que sabíamos (e ficamos instáveis), ou um filme pornográfico pós-hardcore em que as actores têm como função vandalizar o outro, seguindo a teoria de Platão sobre a verdade e a pólis. Toda a pornografia é uma proposta para superar a teoria aristotélica, contra a verosimilhança. Aliás, numa óptica judaico-cristã, não consegui ainda responder à pergunta se ainda é possível amar a Sasha Grey.

Propomos, portanto, um horror enquanto perda de ingenuidade, perda da noção de “virgindade” . O horror é, mais do que uma forte reacção momentânea a algo, um estado profundo no qual nos reconhecemos fora dos mistérios, fora do mundo animal, sendo que a juventude é o lugar (per se) que reclama continuar imerso nos mistérios com que viveu durante toda a infância. A juventude, a adolescência, é uma idade (um estado) de grandes fricções, de quedas frequentes, de mudanças físicas, intelectuais, de vontades em acreditar e participar em certas utopias, criando para o equilíbrio, ao mesmo tempo as distopias colectivas, mas também pessoais. Portanto o corpo da juventude é o lugar por excelência do horror (e da política).

Mickael de Oliveira (dramaturgo)

2011-03-06T01:28:00.011Z

AGAMÉMNON

vim do supermercado e dei porrada ao meu filho

Texto: Rodrigo García
Tradução e direcção: John Romão
Interpretação: Gonçalo Waddington e as crianças Alexandre Ribeiro, Henrique Ribeiro e Martim Barbeiro
Apoio à dramaturgia: Mickael de Oliveira
Desenho de luz: Daniel Worm D'Assumpção
Música: Daniel Romero (.tape.)
Produção executiva: Colectivo 84
Apoios: Alkantara, Bomba Suicida, Câmara Municipal de Almada, O Espaço do Tempo, ZDB
Co-apresentação: São Luiz Teatro Municipal
O Colectivo 84 / Penetrarte é uma estrutura subsidiada pelo Ministério da Cultura - Direcção Geral das Artes e uma estrutura associada da ZDB (Lisboa) e da Casa das Caldeiras (Coimbra).

ENSAIOS ABERTOS
9 Abril 2011, 19h - Mostra de Teatro de Almada / Casa Municipal da Juventude de Cacilhas
12 Abril 2011 - Casa das Caldeiras (Coimbra)

ESTREIA
21 a 30 de Abril de 2011 (quinta a sábado),
23h30
São Luiz Teatro Municipal (Lisboa)

SINOPSE
Rodrigo García (Prémio Europeu de Teatro – Novas Realidades Europeias, 2008) é um dos autores e encenadores contemporâneos mais presentes na nova cena europeia e é também um dos autores vivos mais representado na actualidade no espaço francófono, embora continue um autor e encenador discreto em Portugal. John Romão propõe com Gonçalo Waddington um dos textos emblemáticos da sua obra, Agamémnon - vim do supermercado e dei porrada ao meu filho, entrando na temática do mundo ultra-capitalista e ultra-consumista que se fará constante no trabalho de García.
Neste texto, Rodrigo García relata o dia de um pai de família passado com a sua mulher e o seu filho. Qual herói trágico, o homem vai ao supermercado onde adquire uma grande quantidade de coisas inúteis. Descontente, regressa a casa e descarrega na mulher e no filho, convidando-os depois a ir jantar fora. É a partir daí que se inicia uma reflexão sobre a ordem política mundial, as assimetrias económicas, o novo terrorismo e as questões de género. Este texto adquire, hoje, com a crise que atravessamos, uma nova frescura temática e formal: «Tiro tudo o que há em cima da mesa / as Coca-Colas, os restos dos molhos, tudo / Deixo o espaço limpo só para as asinhas de frango / Uma duas sete asinhas de frango / Coloco-as na mesa, cada qual no seu sítio / Perfeitas / Agarro no ketshup e escrevo bem grande na mesa a palavra: TRAGÉDIA / E o meu filho caga-se a rir / E explico-lhe que a TRAGÉDIA começa com o mundo industrializado».

SOBRE RODRIGO GARCÍA
Moralista paradóxico, Rodrigo García volta às origens do ritual do teatro – o seu papel, o seu impacto, o que está aí em jogo – activando todos os sentidos do espectador, no transcorrer de uma experiência ora íntima ora pública. Este testro espera, em todos os sentidos da palavra, uma reacção: sensitiva e intelectual, intempestiva, dubitativa. Poderíamos pensar que exagera quando nos mostra em detalhe quando cavamos as nossas próprias covas, cegamente. Mas será que é ele que exagera? Quando em realidade se empenha em que o seu teatro seja o olho do ciclone, um espaço efémero, depositório de ruído e da fúria das nossas sociedades domésticas e guerreiras. Aqui, o exagero é a condição para medir o estado das coisas.
Rodrigo García trabalha em função da cristalização dos “lugares comuns”, procura o contacto com os nossos demónios e demais mitologias contemporâneas. Nas suas fábulas, mostra como a publicidade se infiltrou em todos os lugares da nossa existência, substituindo-se à política. Arma e desarma tudo o que cremos conhecer mas que, no entanto, não queremo ver: a nossa implicação pessoal crescente neste sistema. Por isso é-lhe colocada a etiqueta de “provocador”. Mas não seria tal sentimento de provocação o sinal de que o seu trabalho desperta a nossa capacidade de ser espectadores ainda vivos, capazes de maravilhar-nos, de exercer o nosso juízo, de indignarmo-nos? O jogo insolente de teatro contra a seriedade mórbida das máscaras sociais. Rodrigo García avança sobre o campo minado do mundo, imita-o, mete-o à prova, como uma espécie de jogo, exaspera-o até fazê-lo cair dentro do teatro.
De tal salpicar perigoso surge uma arte frágil e inquieta, de reflexão e de combate. Recusando a política da avestruz, convida-nos a não perder a esperaça dos encantos da representação. Como prova de futuras sublevações alegres e emancipadoras.
Desde há uns anos, sabe enfrentar o êxito e as sirenes da fama mercantil. Irreductível à moda que o rodeia e o elogia para melhor denegri-lo depois de ter passado a onda, soube travar a espiral da produção exponencial e privilegiar a artesania de um processo de criação cada vez mais profundo.
PHILIPPE MACASDAR
Director do Théâtre de Saint-Gervais de Genebra

2010-10-25T19:58:00.003+01:00

SÓ OS IDIOTAS QUEREM SER RADICAIS

fotografias de Susana Paiva

Still vídeo

2010-10-05T00:29:00.016+01:00

O ARCO DA HISTERIA

fotografias de Bruno Simão

2010-04-13T17:45:00.004+01:00

PLEASE BE MY FRIEND

performance

Direcção: John Romão

Com: John Romão e três prostitutos negros brasileiros residentes em Portugal

Vídeo: Pedro Homem

Produção: Murmuriu

Apoio: Câmara Municipal de Almada

APRESENTAÇÃO:

Escola Superior de Teatro e Cinema

2010-04-09T00:12:00.030+01:00

O ARCO DA HISTERIA

Link FOTOGRAFIAS

Concepção, direcção e espaço cénico: John Romão

Com: John Romão, Nilo Gallego e Guilherme Moura

Música: Nilo Gallego

Apoio Técnico: Victor Pinto

Produção Executiva: Mariana Sampaio

Residência Artística: O Espaço do Tempo

Fotografia: John Romão

Apoio: Festival Citemor e Luzeiro

Apoio à residência: GDA – Gestão dos Direitos dos Artistas

Espectáculo inserido no projecto Influências, co-produção entre o Mundo Perfeito, Galeria Zé dos Bois e O Espaço do Tempo.

O Mundo Perfeito, O Espaço do Tempo e a Galeria Zé dos Bois são estruturas financiadas pelo Ministério da Cultura, Direcção-Geral das Artes

APRESENTAÇÕES

3 Setembro 2010, Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo)

5 a 10 Outubro 2010, Negócio/ZDB (Lisboa) www.zedosbois.org

TEXTO DA FOLHA DE SALA

“(…) juste la reconstruction pourrais vraiment me désorienter à travers la démolition des constructions de ma mémoire” in Ville Panique (2004), Paul Virilio

Esta proposta cénica que agora apresento é uma resposta a um desafio que me foi feito pelo Tiago Rodrigues: a criação de um objecto performativo que tivesse como ponto de partida um objecto de arte já existente, convocando alguém de outra área (artística ou não) para me acompanhar neste desafio.

Para a equipa de criação convidei duas pessoas: o músico/performer espanhol Nilo Gallego e um atleta de ginástica de 13 anos de idade (Guilherme Moura). A vontade de trabalhar com um atleta de ginástica de competição poderia ser dissimulada por uma fotografia de João Penalva (recordo um grande plano de uma mão de um ginasta, em tensão, a segurar uma argola, em “The Prize Song”), o texto de Jean Genet “O Funâmbulo”, um vídeo de João Onofre (recordo um ginasta a fazer o pino num semáforo luminoso), as fotografias de Tracey Moffat que captam estados emocionais variados de atletas dos jogos olímpicos do ano 2000 ou uma fotografia de Ryan McGinley (recordo uma amiga sua a patinar no meio de uma fumarada), entre outras. Todas estas obras (e muitas mais) fazem parte da minha formação artística, com maior ou menor relevância. Mas não quero regressar a elas, quero esquecê-las, às obras de arte (e não tenho outra hipótese). E ao abrir um livro da escultora francesa Louise Bourgeois (1911-2010) encontrei uma peça sobre a qual me detive durante um pouco mais de tempo que o habitual, “O arco da histeria” (1993): uma escultura que mostra um corpo masculino em bronze, arqueado, suspenso pela zona do ventre, sem cabeça, e reproduzindo o arco histérico como teorizado pelo neurologista do século XIX Jean Martin Charcot. E mergulhei mais ainda sobre a sua obra autobiográfica iluminada pela líbido, ao ponto de apartar toda aquela documentação e começar a voltar-me para dentro e a olhar para mim.

Durante 3 semanas, em residência de criação n'O Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo), reuníamo-nos os três (eu, o Nilo e o Guilherme) depois do almoço, num estúdio de trabalho com dimensões semelhantes às do Negócio e, sem falarmos muito uns dos outros, eu fazia propostas de gestos, de movimentos e de algumas imagens que costumo rabiscar, para irmos criando matéria que nos juntasse aos três, envoltos no mistério daquela escultura. Os materiais, como em todas as criações que vou fazendo, surgem por imposição própria: o chão aleija, conseguem-se colchões; estamos cansados e a transpirar, compram-se bebidas; uma acção que proponho não se consegue cumprir por ser difícil, tanto melhor, porque é nessa tensão entre o intérprete e a cena que o objecto performativo se começa a processar, por tentativas e falhas (algumas tão perfeitas), e as imagens se vão impondo e existindo, porque não há hipótese de evita-las, como as memórias do que se leu, se viu, se mordeu e se cuspiu até aqui. Há quem fale de L. Bourgeois como a fundadora da “confessional art”, como sendo a avó espiritual de Tracey Emin. A arte de Bourgeois, transporta em si a competitividade semelhante à do ginasta, aquela de um desempenho perfeito e de um reconhecimento público que prove a sua radicalidade.

Desde 2005 que convoco para as minhas criações de teatro indivíduos que pertencem a subgrupos socias, marginais ou artísticos: três prostitutos brasileiros (“Velocidade Máxima”), uma banda filarmónica local e um travesti (“Why can i be me”), três crianças de um coro infantil (“A Direcção do Sangue”) ou um jovem e belo actor conhecido do grande écran (“Só os idiotas querem ser radicais”). Em todas elas, o que está em causa é a reconfiguração da função e da imagem daqueles indivíduos, dentro de um contexto sócio-cultural e político, proporcionando uma nova escuta sobre eles e confrontando o espectador com novas propostas do reconhecível. Aqui, em "O arco da histeria" quis, inicialmente, explorar o corpo masculino adolescente para pensar aspectos da emergência e da alteração da identidade, próprios das performances acrobáticas dos movimentos histéricos. Os nossos três corpos em cena, na sua diferença, levam-me a estudar a própria perda da inocência e o estado de desejo e autoridade que, em relação uns com os outros, juntos, eles outorgam. Este estágio do corpo representado por L. Bourgeois, com a cabeça cortada, ou melhor, sem cabeça (ela talvez nunca tenha existido), encarna o que Freud chamou de pulsão de morte: representa a dimensão daquilo que permanece vivo depois da morte. E isso é o que mais aprecio nas esculturas de objectos-parciais de Louise Bourgeois, pois tal como a própria escultora (recentemente falecida), elas ganham uma dimensão de uma imortalidade diabólica.

John Romão

"Influências" é um projecto do Mundo Perfeito que envolve a montagem de duas novas criações, resultantes de um desafio lançado aos jovens criadores José Nunes e John Romão. Cada uma das peças terá como ponto de partida uma obra de arte que terá influenciado estes criadores, que contarão com a colaboração de um artista mais experiente, cuja missão será influenciar o processo de trabalho. O coreógrafo Rui Horta trabalhará com a equipa de José Nunes e o músico/performer Nilo Gallego será o cúmplice de John Romão. Os espectáculos do projecto “Influências” resultam de uma co‐produção entre o Mundo Perfeito, o Espaço do Tempo e a Galeria Zé dos Bois.

2010-02-26T02:20:00.036Z

MORRO COMO PAÍS

ENGLISH

Link FOTOGRAFIAS

Direcção e espaço cénico: John Romão

Textos: Dimítris Dimitriádis e Mickael de Oliveira

Interpretação: Cláudia Dias, Cláudio da Silva e João Folgado

Música: Daniel Romero (.tape.)

Esculturas: Pedro Mira

Desenho de luz: Daniel Worm d'Assumpção

Fotografia: John Romão

Produção executiva: Colectivo 84

Assistência de produção: Lara Silveira

Co-produção: Colectivo 84 / Penetrarte, Festival Citemor, Murmuriu

Apoios: Artistas Unidos, Bomba Suicida, Câmara Municipal de Almada, Fundação Calouste Gulbenkian, ZDB

Agradecimentos: Ana Rita Osório, Andreia Bento, Elena Córdoba, Lázaro Romão, Marta Furtado, Miguel Bento, Miguel Borges, Ruben Escamilla

O Colectivo 84 / Penetrarte é uma estrutura subsidiada pelo Ministério da Cultura - Direcção Geral das Artes

APRESENTAÇÕES

Festival Citemor (Montermor-o-Velho, PT): 31 Julho e 1 Agosto 2010

Plataforma Internacional de Artes Performativas Portuguesas (Montemor-o-Novo, PT): 4 Junho 2011

Marstrand Festival, Black Box Theatre (Oslo): 28 e 29 Março 2012

SINOPSE

Hoje a morte e a noção de fim cruzam-se em permanência no quotidiano, sem ninguém parar ou reparar atentamente. A morte é como um gelado derretido no passeio, não se pode provar e quando passamos ao seu lado não queremos lambe-lo. "Morro como país" (1978), texto do dramaturgo grego contemporâneo Dimítris Dimitriádis, fala da morte de um território devastado pela guerra civil, pela corrupção política e pela subversão da moral, figuração trágica numa espécie de amálgama de todas as perversões e subversões. Foi a partir deste texto que começámos a escrever a nossa própria proposta, que junta o sabor doce da decadência absoluta e da negação para com o estado actual das sociedades europeias ao fim do mundo, que acontece lentamente à beira-mar, com a língua colada na areia, à procura do sorvete. É um espectáculo, assim,escatológico, por procurar perceber o que é o fim das coisas.

CRÓNICA, excerto da crónica A gadanha daquele que ceifa

“Aí está a profanação dos referentes magnificados pela sociedade ocidental, aí estão os corpos profanados dos actores com quem Romão começou uma relação e implicação tão severa, próxima e ética como a que [Rodrigo] García tem com os seus actores. Uma relação em que o fazer do actor com o seu corpo está à disposição de, como se o actor estivesse totalmente distanciado psicologicamente do que o corpo faz e do que se lhe faz, da profanação que sofre, um corpo já anónimo que ainda assim guarda a dignidade, a humanidade. (…) “Morro como País reflecte uma sociedade decomposta e vendida, onde a inércia e o não pensar com a própria cabeça são a norma. A companhia Colectivo 84 tem a vontade e a valentia de falar de problemas próprios, que não são exclusivos, da sociedade portuguesa (praia e cerveja, passado de guerra e colonialismo, racismo latente de “pretos e macacos”, etc.). Dinheiro e bem-estar para corpos esmagados pela ignomínia, feridos na sua dignidade. Mentes deformadas num vazio referencial, que centram as suas frustrações em culturas baratas, que celebram o ódio que é masoquismo e uma dignidade de peito inchado que é humilhação arrastada.”

Pablo Caruana Húder (jornalista e director do Festival Sismo Madrid)

Link FOTOGRAFIAS

CRÓNICA "A gadanha daquele que ceifa" por Pablo Caruana Húder

ENTREVISTA por Cláudia Galhós

2009-11-07T21:53:00.003Z

ONLY IDIOTS WANNA BE RADICAL

M/16

Direction and scenography: John Romão

Texts: Mickael de Oliveira

Interpretation: Ângelo Rodrigues e John Romão

Light design: José Álvaro Correia

Video projections design: Ivo Serra

Artistic colaborations: Cláudia Dias, Diego Beyró

Photography: John Romão

Production: Colectivo 84 / Penetrarte, Murmuriu

Sponsors: Câmara Municipal de Almada, ZDB

PREMIERE

November 21th & 22th 2009

Festival Materiais Diversos

Cine-Teatro São Pedro (Alcanena - PT)

+infos: www.materiaisdiversos.com/festival

In a world where pop culture is part of the risk notion and manipulates it and performs it for commercial purposes, the play ONLY IDIOTS WANNA BE RADICAL aims to subvert such logic with the performance of a pop, young and beautiful image, considering the risk not an object of luxury consumption, but an essential object for our philosophical issues. The only profit will be talking about art and beauty through a mouth of a young model and actor, an image confirmed by his notorious fame: Ângelo Rodrigues. He will be teaching the ancient and postmodern philosophy, the whole history of art, he will be asserting certain values about the good and the evil, because «Only the intellectuals have doubts, and I’m more than that, I’m something that goes beyond the intellect, I'm trash, all made of muscle and prophet».

2009-04-11T04:30:00.005+01:00

SKATERS

fotografias por Jorge Padeiro

2008-12-29T19:58:00.024Z

70Kg
M/16

Direcção: John Romão
Textos: Mickael de Oliveira e John Romão
Interpretação: Bastão (João Martins), a namorada e o cão
Desenho de luz: José Álvaro Correia
Desenho de som: Jorge Pina
Vídeos: André Godinho e John Romão
Produção: Ágata Alencoão e Lara Silveira
Co-produção: Colectivo 84, Murmuriu, Penetrarte
Apoio: Câmara Municipal de Almada, Companhia Clara Andermatt

FOTOGRAFIAS por Bruno Simão

APRESENTAÇÕES

25 Março 2009, 21h30, Casa Municipal da Juventude de Cacilhas (Cacilhas / Almada), integrado na Quinzena da Juventude de Almada;

21 e 22 Novembro 2009, Cine-Teatro São Pedro (Alcanena) - Festival Materiais Diversos.

SINOPSE
Em 2008, no espectáculo de teatro Skaters, coloquei em cena dez jovens skaters do concelho de Almada. O Bastão era um deles. Aos 18 anos teve um brutal acidente de trabalho, enquanto servente da construção civil. Uma barra de ferro de 70kg caiu sobre o seu corpo, nas costas. Ficou em coma. Levaram-no para o hospital. Fazer skate ficou completamente fora de questão na sua vida. Passados vários meses, surpreendendo tudo e todos, voltou a praticar skate no mesmo sítio, com as mesmas pessoas, escondendo debaixo da camisola a enorme cicatriz que tem nas costas - a marca que conta o que aconteceu.
Esta história leva-me a desenvolver uma proposta cénica sobre a relação entre o esforço físico e o dinheiro, entre quem dá e quem leva, entre quem ganha e quem perde, entre quem nasce e quem morre, entre a dor e o prazer, entre a juventude e a morte. Um atentado poético que aborda os desejos, as fragilidades e as torpezas do ser humano – talvez uma temática que nunca acaba.

« Quero-te aqui na cama do meu quarto do apartamento dos meus pais / que me lavaram o corpo quando nasci e quando fui trespassado por 70kg / Quero estar contigo nesta torre e pensar / que é uma parte de um castelo da Eurodisney / Ficar contigo e depois seguires-me até à praça e protegeres-me / Tenho medo de andar de skate na praça onde fui espancado / Por uns tipos que batem porque sim / porque aceitaram as televisões do governo e os programas da MTV / porque não conseguiram interpretar os filmes violentos de Hollywood »

in 70Kg, texto de Mickael de Oliveira

Nota breve sobre 70kg

Foi a raiva e, principalmente, a frustração (e doçura) que me levaram a construir 70kg. A piedade e o perigo. O teatro não pode ser acedido sem acidentes nem perigos. Admiro os jovens mais jovens que eu, admiro os skaters, as feridas e as histórias decalcadas sem preceitos, a adrenalina incutida nos seus corpos exaustos e apaixonados. E este universo faz-me acreditar num teatro de utopia que pode existir fora do teatro, enquanto contentor físico e sobretudo daquilo que se espera que aconteça, através da sua principal convenção: a do actor. Porque o que é um teatro senão a invenção de novas paredes que impedem ouvir a poesia do que mexe?

Foi em quinze encontros descomprometidos que me fui comprometendo com 70kg, para ir percebendo a sua pertinência. Quinze encontros para chegar até hoje, aqui. A torpeza que é própria do tempo e do humano, faz-se presente nesta proposta cénica, através de corpos que não estão habituados a serem avaliados em espaços fechados por mais de uma pessoa ao mesmo tempo. 70kg não confunde a liberdade com a exposição de egos, como muitos artistas fazem nas suas “performances”. Por utilizar em cena um jovem não-actor, que é um skater (e trabalha na arqueologia), a sua namorada e o seu cão, o que vemos hoje não é uma performance. Entristece-me a ideia canonizada e prostituída de performance. O que hoje apresento é teatro, é essa a linguagem que conheço e me interessa e é este todavia o lugar reprimido pela ordem política e que levou Pasolini a dizer: “Se existe a crise da poesia é porque a crise é poesia”.

Quando digo coisas em voz alta chamam gritar. Quando digo coisas em tom baixo chamam sussurrar. Quando me enganam e inventam mentiras chamam democracia. Quando perco o telemóvel digo estar perdido. Quando chove a potes chamam tempestade. Quando a pele abre um novo caminho chamam ferida. Quando se escondem e mentem através de histórias ridículas chamam teatro. Quando me recuso a dizer amo-te chamam-me cobarde. Quando se duvida da fugacidade dos sentimentos chamam desconfiar. Quando se perturba a maneira de ver a vida chamam performance. Eu chamo teatro.

John Romão

(23 Março 2009)

2008-12-01T21:28:00.037Z

HIPÓLITO

monólogo masculino sobre a perplexidade

ENGLISH

Link FOTOGRAFIAS

Texto: Mickael de Oliveira

Direcção e espaço cénico: John Romão

Interpretação: John Romão e Martim Barbeiro

Desenho de luz: José Álvaro Correia

Desenho de som: Francisco Pessanha e Jorge Pina

Colaboração coreográfica: Victor Hugo Pontes

Colaboração cenográfica: Rita Álvares Pereira

Assistência de direcção: Alexandra Sargento

Fotografias das crianças: Martim Ramos

Produção: Ágata Alencoão e Lara Silveira

Assistência de produção: Mariana Vasconcelos

Co-produção: Colectivo 84/Penetrarte, Murmuriu, Negócio/ZDB

Apoios: ACCA - Companhia Clara Andermatt, Câmara Municipal de Almada, Fundação Calouste Gulbenkian

APRESENTAÇÕES

14 Fevereiro 2009, Fórum Municipal Romeu Correia (Almada) - Mostra de Teatro de Almada;

1 a 11 Abril 2009 (quarta a sáb.), Negócio/ZDB (Lisboa);

18 e 19 Abril 2009, Teatro Helena Sá e Costa (Porto).

SINOPSE
Este texto trata, como o nome indica, do mito de Fedra que envolve a sua vítima - Hipólito. Nas versões clássicas, a vitimização de Hipólito efectua-se através de uma lógica falocêntrica e falocrática, sendo Fedra o motivo feminino trágico, o elemento anómalo social e familiar. Neste Hipólito, Fedra, a imagem feminina que antes era ímpia, frágil e doente, surge aqui como uma mulher predadora, psiquicamente pervertida e sobretudo pedófila, numa lógica de igualdade dos géneros, «Não percebo porque é que ninguém fala das mães pedófilas / Será que elas não existem / Elas são iguais aos homens mesmo no mórbido / Elas também podem matar / Podem atirar ao lixo / sem grande transtorno / as suas próprias progenituras ou então afogá-las / com dois dias de vida e congelá-las / É por isso que hoje sou feminista / Porque acredito na igualdade dos géneros / tanto na bondade como na crueldade». O discurso de Fedra não se inscreve no formato das clivagens entre os sexos, esta Fedra é uma madrasta contemporânea, com “vontade de amar o seu filho com as mãos” e de satisfazer o seu desejo nele. Assim, em vez de ouvirmos o relato de Fedra, o autor propõe que se oiça o relato da vítima que passará, ao longo dos anos de abusos sexuais, a ser igualmente o predador, para castigar “a trindade” da casa, Teseu, Fedra, e ele próprio.

No monólogo fala-se de um Hipólito castigado durante a infância, entre testemunhos da brutalidade de que foi vítima, do amor infantil para com a sua madrasta e da confissão de um filho de pai ausente. O falso monólogo será também uma homenagem ou uma recordação aos casos de pedofilia e de incestos que temos vindo a assistir nestes últimos anos, alimentando-se de um trabalho de patchwork de alguns depoimentos verídicos de vítimas.

« Só achava que eras mais velha

não porque eras superior moralmente

ou porque já tinhas passado por coisas que nunca passei

porque também passei por coisas que tu nunca passaste

mas sabia que eras mais velha porque as marcas das vacinas

que tens na pele do braço eram maiores

diferentes das minhas que são mais pequenas

E essas marcas são a prova que o tempo passou »

(in Hipólito, Mickael de Oliveira)

2008-12-01T20:41:00.038Z

VELOCIDADE MÁXIMA

ENGLISH

.

Link FOTOGRAFIAS

VIDEO TRAILER 1

VÍDEO TRAILER 2

Direcção: John Romão

Dramaturgia: Mickael de Oliveira

Interpretação: John Romão, André, Leandro e Luís

Pianista: Cláudia Teixeira

Espaço cénico: Diego Beyró com John Romão

Colaboração coreográfica: Elena Córdoba

Desenho de luz: Daniel Worm d'Assumpção

Desenho de som: Jorge Pina

Vídeos: Carlos Conceição e John Romão

Design de projecções: Bruno Moreira Dias

Construção de máscaras: Cecília Sousa

Acompanhamento crítico: Paulo Raposo

Fotografia: Diego Beyró

Produção executiva: Colectivo 84

Co-produção: Festival Citemor, La Laboral, Murmuriu, Penetrarte, ZDB

Apoios: Câmara Municipal de Almada, Instituto Camões

Projecto financiado pelo Ministério da Cultura - Direcção Geral das Artes

APRESENTAÇÕES

8 e 9 Agosto 2009, Festival Citemor (Montemor-o-Velho)

4 e 5 Dezembro 2009, Teatro La Laboral (Gijón / ES)

12 Janeiro 2010, Meteorit Theatre (Bratislava / ESL)

20 a 31 Janeiro 2010 (quarta a domingo), Negócio/ZDB (Lisboa)

7 Fevereiro 2010, Fórum Municipal Romeu Correia (Almada) - integrado na Mostra de Teatro de Almada

SINOPSE

Velocidade Máxima destaca-se pelo seu conteúdo polémico e pela razão temática da sua existência no palco, cuja raiz se focaliza no Ciclo Poder e Posse do Colectivo 84. O espectáculo tem como génese a vídeo-instalação "Voracidade Máxima" dos artistas Dias & Riedweg, objecto que coloca em evidência a problemática das identidades íntegras e integradas, o que existe nos hotéis ou nos apartamentos de luxo dos grandes centros urbanos, através do testemunho de prostitutos provenientes da América Latina.

Velocidade Máxima pretende abordar, por um lado, as identidades transnacionais, a prostituição masculina e a relação entre sexualidade/economia, e por outro, o papel do artista no mercado da arte. No espectáculo, estarão em cena um actor/encenador (John Romão) e três prostitutos brasileiros residentes em Lisboa. Aquilo que existe em comum entre os quatro intérpretes é o rosto: os “garotos de programa” transportam uma máscara com o modelo da cara do actor/encenador. A máscara ora protege ora permite que todos estejam ao mesmo nível, reforçando a necessidade de se esconder a cara como um instrumento para falar do próprio sentido de Identidade e de Poder.

VÍDEO ENSAIO E MONTAGEM por Hugo Barbosa e Pamela Gallo

ENTREVISTA por Cláudia Galhós

ENTREVISTA por Pablo Caruana

ENTREVISTA Artez - Revista de las Artes Escénicas

2008-09-28T00:45:00.012+01:00

HIPPOLYTUS

male monologue about the perplexity

LINK PICTURES

Text: Mickael de Oliveira

Direction and scenic space: John Romão

Interpretation: John Romão and Martim Barbeiro

Sound design Francisco Pessanha and Jorge Pina

Light design: José Álvaro Correia

Production direction: Ágata Alencoão

Assistant production: Mariana Vasconcelos

Co-production: Penetrarte / Colectivo 84, Murmuriu, ZDB

Supports: Câmara Municipal de Almada, Fundação Calouste Gulbenkian

PRESENTATIONS

February 14th, Fórum Municipal Romeu Correia, Mostra de Teatro de Almada 2009 (Almada - PT);

March 2nd - 12th, Negócio/ZDB (Lisbon - PT);

April 17th and 18th, Teatro Helena Sá e Costa (Oporto - PT).

SYNOPSIS

This text deals, as its name suggests, with the myth of Fedra that surrounds his victim - Hippolytus. In the classic versions, the victimization of Hippolytus is carried out through a logical falocentric and falocratic, being Fedra the reason female tragic, the element abnormal social and family. In this Hippolytus, Fedra, the female image before was wicked, fragile and sick, appears here as a predatory woman, mentally perverted and especially pedophile, in a logic of gender equality: "I do not understand why nobody speaks about pedophile mothers / Do they not exist / They are equal to men even in the morbid / They can also kill / They can shoot the garbage / with no great inconvenience / their own progenities or drown them / with two days of life and freeze them / That’s why I’m feminist today / Because I believe in gender equality / both in goodness and in cruelty." The Fedra’s speech does not appear in either of the divisions between the sexes, this Fedra is a contemporary stepmother, with the desire “to love her child with her hands" and to satisfy her sick needs on him. Thus, instead of hearing the report of Fedra, the author proposes to hear the story of the victim that will, over the years of sexual abuses, to be the predator, to punish the "trinity" of the house: Theseus, Fedra and himself.
In the monologue he speaks of a Hippolytus punished during childhood, but not so tragic, addressing, sometimes, serious problems in a comic tone and black humour. Among testimonies of brutality that was victim, the infantile love with his stepmother and the confession of an absent father, the false monologue will also be a tribute or a remembrance to cases of pedophilia and incest we have assist in these recent years, feeding with a patchwork of some real testimonies of victims.

Peças / Performances

2008-09-27T22:17:00.098+01:00

HORROR
(2011)

MASSACRE
(2011)

AGAMÉMNON
(2011)

MORRO COMO PAÍS
(2010)

O ARCO DA HISTERIA
(2010)

SÓ OS IDIOTAS QUEREM SER RADICAIS
(2010)

VELOCIDADE MÁXIMA
(2009)

HIPÓLITO
(2009)

70KG
(2009)

A DIRECÇÃO DO SANGUE
(2008)

SKATERS
(2008)

LAND ESCAPE
(2007)

WHY CAN I BE ME
(2005-2006)

2008-08-30T16:17:00.006+01:00

SKATERS

+ PHOTOS

Conception et direction: John Romão

Avec des skaters: André Silva, Carlos Semedo, David McKay, Hugo Santiago, João Cardoso, João Martins, João Maria, Manuel Liebaut, Miguel Fonseca, Nuno Pina

Direction musicale: Miguel Fonseca

Conception de la lumière: Cláudia Rodrigues

Design de son: Jorge Pina

Vidéos: Carlos Conceição avec John Romão

Design des projections vidéo: Joana Areal

Assistance à la mise en scène: Solange Freitas

Collaboration de mouvement: Maria João Garcia

Photographies: Jorge Padeiro

Graphisme: André Brás

Co-production: Murmuriu et Ninho de Víboras

Soutien: Câmara Municipal de Almada

PREMIÈRE

29 Février 2008
Fórum Municipal Romeu Correia (Almada – Portugal)

TRAILER: http://www.youtube.com/watch?v=0zbUpi5g1l8

Projections vidéo pour le spectacle + musique jouée en vif:
http://www.youtube.com/watch?v=AWYxP0FxRqM

Qu’est-ce qu’ implique le transfert des skaters que nous voyons dans la rue pour la scène? Qu’est-ce qu’implique avoir des skaters sur scène et pas des acteurs qui simulent savoir patiner? Comment concevoir un objet théâtral avec des éléments qui n'appartiennent pas au théâtre? Il me semble que quelqu'un qui tombe et se lève constamment et qui glisse à travers l'espace sans toucher à la terre est une belle métaphore pour parler de l'homme contemporain.

Le théâtre est fait avec les acteurs?
Depuis 2005, j’explore un concept fondamental dans mes créations théâtrales: l’utilisation de personnes provenant de différents sous-groupes sociaux et marginaux de la société, sur scène, que j’ai, au début, appelé de “ready-made dynamiques” et, maintenant, je préfère juste l’appelé Étrangers (à la scène).
Ce ne sont pas de quelconques personnes comme, par exemple, des gens avec des curieuses particularités à cause de leurs physiques ou leurs conditions socio-professionnelles, ou pour leurs atitudes et look freaks, auxquelles sont attachés quelques directeurs artistiques. Cela ne m’intéresse pas. Cela m’ ennuie. Ce sont, de ce fait, des individus qui existent sous la forme de colectif, de communauté, don’t l’image associé à eux est, a priori, typé. Je préfère chercher ce qui est banal ou traditionelle. Des exemples: un orchestre philharmonique et un travesti (dans Why can I be me, 2005-2006), deux prostitués noirs (Please be my friend, 2006). Nous avons des idées préconçue sur chacun. Nous avons aussi des attentes. Nous avons des désires. Ce sont eux qui vivent dans l’ombre et qui ne sont pas exposé communément au réel. Nous avons, a priori, qui ils sont mais sans jamais les avoir connu.
C'est la première fois que j'utilise sur la scène de seuls les individus qui n’appartiennent pas au théâtre. Dans mes précédentes créations, Why Can i Be Me (2005-2006), Please be my friend (2006), ou même dans La Direction du Sang (2008), il y avait des acteurs qui se confrontaient avec ces Étrangers. Dans ce cas, en Skaters, il semblait clair: je ne pouvait pas avoir aucune acteur sur la scène. Aucune corps qui saviez habiter la scène, qui saviez se protéger avec des techniques ou des trucs, qui saviez feindre. Et je me demande: Qu’est-ce qu’ implique le transfert des skaters que nous voyons dans la rue pour la scène? Qu’est-ce qu’implique avoir des skaters sur scène et pas des acteurs qui simulent savoir patiner? Comment concevoir un objet théâtral avec des éléments qui n'appartiennent pas au théâtre?
J'aime la subversion de leurs mouvements, l'adaptation à l'inconnu, à ce qu’ils ne dominent pas, à la recherche d'une ambiguïté du geste et de l'action. Est-ce que je cherche, finalement, la vérité du geste au plus prêt du reel? Leurs corps sont confrontés à de nouvelles situations, et l’impacte est imprévisible. Comme moi, et de la même manière que les spectateurs, tous devant cette inconnu sommes confrontés à de nouvelles “propositions du reconnaissable”. Pourquoi est ce qu’il y a certaines personnes, des actions et des gestes qui ne nous disent rien en dehors de l’espace théâtral de la scène? La seule hypothèse que nous pouvons créer à a voir avec le dimension profondément sacré de la scène. Non pas qu’elle rivalize avec les rites religieux et les cérémonies, mais parce qu’ y se ritualise et se sacralise un moment. Le théâtre que je fais, n'imite pas la vie, mais lui retire l'énergie d'un véritable espace sacré. Dans mon travail, comme dans Skaters, ce qui se passe sur la scène sont des vrais moments qui se passent en ce moment, que ne sont pas de représentation.

John Romão

(extrait du program)

Land Escape (EN)

2008-08-30T02:31:00.003+01:00

(coming soon)

Why Can I Be Me (EN)

2008-08-30T02:30:00.006+01:00

(coming soon)

2008-08-29T23:30:00.004+01:00

THE BLOOD'S DIRECTION

Conception and direction: John Romão

Interpretation: Diogo Afonso, John Romão and Rodrigo Pereira

Special participation: Rodrigo Santos (children's choir)

Original Music: Marsen Jules

Light design: José Álvaro Correia

Sound design: Jorge Pina

Video projections design: Joana Areal

Assistant direction: Maria João Machado

Dramaturgy colaboration: Solange Freitas

Figuration: Bruno Simão, Denilson Mário, Hugo Pires, Eduardo Galhardo Calçado, Manuel Liebaut, Nuno Pina, Rui Peixoto

Assistant production: João Belo

Photographies: André Abreu

Co-production: Murmuriu and Teatro da Garagem

Sponsor: Câmara Municipal de Almada and Calouste Gulbenkian Foundation (Lisbon)

PREMIERE
19 - 30 March 2008 / wendsday - sunday / 21h30Teatro Taborda (Lisbon)
Reservations: 218854190

TRAILER

http://www.youtube.com/watch?v=S7EM24PX58M

One of these days, John Romão wrote me asking to use, in the theatre, the title of one of my poems, The blood’s direction. I did not tell him anything, but I was horrified, because in the middle of so many verses, so many words, he, even without knowing (and this "not knowing" is perhaps the most troubling), isolated a phrase that is not my but I had gone to pick up to Shakespeare. It is as if the words retain a kind of voice of blood, a secret call, an inheritance or a loss that incessantly seek their own. At the theatre what belongs to the theatre.
In the biography the poet Victor Hugo wrote about Shakespearehe begins talking about him this way: "And who is Shakespeare? Nearly one could answer: the Earth." The theatre is almost everything. Everything is in the theatre.

José Tolentino Mendonça
(poet, theologian, priest and university teacher)

When I was a kid, my favourite game was to refine the intimate and familiar feeling of my life to the vertigo of the unknown. Each time record, every photography, every memory, is a reconstruction of this vertigo, the meeting of two parallels: the outside and the inside, the statism and the speed, the tears and the fire.
Bodies are living increasingly imaginary its history, its identity and its relations, as if they were animated by the life of imaginary images of the body. The Blood’s Direction interrogates this world where all values and symbols lose their meaning and where the man must choose between adapt, whatever the cost, or dare to confront the unknown looking to reinvent a life, relationships and values.

John Romão

The Blood’s Direction, by John Romão:
Exercise about the childhood, between flowers and blood

A nearly empty stage, flowers and shrubs to our right, and if we can lengthen the look still see a small children's pool, leaning against the white wall near the bottom. Our left builds up a wall made of sunscreens for cars, which are opposed to the image of vegetal and water image the whole right side of the stage provides. Are we talking about a duality?, between the protection, raised by panels of aluminium, and the enjoyment of childhood freedom, evoked by a swimming pool and a vegetal world made of earth? This creation puts us some formal and thematic questions, in the beginning.
The performance begins, we see a man running, running in search of the rhythm of his footsteps, or fleeing them, asynchrony soon accompanied by a projected text against a white wall, that clarifies part of the original running: "My friends think / I go shopping by foot / to keep me in shape / Nothing to do with that / I just try to escape". The escape of the danger (of various dangers), the fantasies and fears’s own childhood, or the children’s freedom that here always hesitate between the naive and the cruelty will be the leitmotivs of the composition that John Romão will explore to unite a work that navigates between the sensations, abstract images and the concrete imagery reality, offered almost as spectacular compass to chaos. (...)
The creator of The Blood’s Direction has as centrifugator thematic element the childhood, and his fanciful world of desires, not yet standardized for a long socialization, and fears, even if the fear can be transformed quickly into a desire, such as it does on stage, when the child fears being kidnapped but at the same time wants it, under the bedspreads, imagine us. To talks about the childhood, John Romão beyond a fear, this time adult, that of representation - using in its cast non-professional actors, and in this case, children under 10 years to play the performance, as well as some teens, like than did with his penultimate creation, Skaters (February 2008, Almada - Portugal).
The director risks his performance, literally handing it in the hands of two children who are building complex images, bold, that perhaps they themselves do not understand or believe in another level of interpretation, for example, in a certain image – of which scenic dramaturgy falls in the ambiguity between the landscapes of "freedom" and "pleasure" - in which one of the kids up posters in which we read, among other slogans, "eat me." This “eats me” is read by the child as an allusion to the image of the "bad wolf", while the same can be read by the public, possibly in a different reading, as a stated mention sex, the desire for a child to feel sexual pleasure reserved for adults. (...)
In its last theatre creation, John Romão aims to promote the encounter between what exists and what we want to exist, eliminating the fallacy of fable, its Aristotelian plausibility, reconciling, beyond what has already been mentioned (word and body), reality and its game - their simulation, reducing the distance between the object and its real pretence, because his theatre looking beyond the drama, the weakness of the real.

Mickael de Oliveira

(dramaturgist)

Lisbon, 24 March 2008

Por aí

2008-08-26T23:00:00.028+01:00

Expulsos do Paraíso (Annecy, 2010)

*para o vídeo do espectáculo "Esto es así y a mi no me jodáis" de Rodrigo García

Ginasta (Lisboa, 2010)

Cisnes (Veneza, 2010)

O problema invertido: ter um pote de haagen-dazs e não ter frigorífico (Annecy, 2010)

O lago (Annecy, 2010)

Treino de ginástica artística (Lisboa, 2010)

Feliz Natal / Merry Christmas (Bruxelas, 2009)

O sorriso de azeite / Olive oil smile (Lisboa, 2008)

O carro / The car (Sycewo, Polónia, 2008)

A sanita / The toilet (Charles de Gaulle Airport, Paris, 2008)

A ponte / The bridge (Cacilhas, 2008)

Azul Klein / Klein Blue, composição/composition (Paris, 2008)

Beethoven (Villa 31, Buenos Aires, 2008)

O cão morto (Villa 31, Buenos Aires, 2007)

2008-08-26T02:39:00.082+01:00

Contacto

2008-08-26T00:48:00.014+01:00

John Romão

john_romao@hotmail.com

Colectivo 84: http://colectivo84.blogspot.com

2008-07-04T01:00:00.042+01:00

SKATERS

Link FOTOGRAFIAS

Concepção e direcção: John Romão
Com os skaters: André Silva, Carlos Semedo, David McKay, Hugo Santiago, João Cardoso, João Martins, João Maria, Manuel Liebaut, Miguel Fonseca, Nuno Pina
Direcção musical: Miguel Fonseca
Desenho de luz: Cláudia Rodrigues
Desenho de som: Jorge Pina
Vídeos: Carlos Conceição com John Romão
Design de projecções: Joana Areal
Assistência de direcção: Solange Freitas
Assistência de movimento: Maria João Garcia
Fotografia: Jorge Padeiro
Grafismo: André Brás
Co-produção: Murmuriu e Ninho de Víboras
Apoios: Câmara Municipal de Almada

29 Fevereiro 2008

Fórum Municipal Romeu Correia (Almada)

(espectáculo de abertura da Quinzena da Juventude de Almada)

O que implica transferir os skaters que vemos na rua para o palco? O que implica ter skaters em cena e não actores que finjam saber praticar skate? Como conceber um objecto teatral com elementos que não pertencem ao teatro? Parece-me que alguém que cai e se levanta constantemente e que desliza pelo espaço sem tocar a terra, é uma óptima metáfora para falar do homem contemporâneo.

O teatro é feito com actores?

Há 4 anos comecei a desenvolver uma ideia que tenho vindo a explorar nas minhas criações: a utilização de indivíduos pertencentes a subgrupos sociais ou marginais em cena, a quem eu chamava ready-mades dinâmicos e, agora, prefiro apenas chamar estrangeiros. Não são quaisquer pessoas, gente com fisicalidade e profissões curiosas ou freaks, por quem se interessam algumas companhias artísticas. Isso não me diz nada. Aborrece-me. O que aqui está em causa são indivíduos que existem sob a forma de colectivo, de comunidade, cuja imagem a eles associada está dependente de outros similares. Aliás, quanto mais banal ou tradicional for a sua actividade, melhor. Exemplos: uma banda filarmónica ou um travesti (Why can i be me, 2005-2006). Ainda que estes dois possuam uma qualidade cénica, de palco, não pertencem ao Teatro. Temos ideias pré-concebidas para cada um deles. Temos expectativas. Temos desejos. São elementos que vivem na sombra. Não estão expostos comummente ao real. Já com os skaters, muitas vezes vistos como “marginais” (de roupas caras), longe de serem freaks (apesar da insistência), estão totalmente afastados da cena teatral, embora também “actuem” para um público. Sabemos à partida quem são, sem nunca os termos conhecido.

Esta é a primeira vez que utilizo em cena apenas indivíduos que não são do Teatro. Em criações anteriores, Why can i be me (2005-2006), Please be my friend (2006), ou mesmo na última, A direcção do sangue (2008), havia actores que se confrontavam com os tais estrangeiros. Neste caso, em Skaters, pareceu-me claro: não podia ter nenhum actor em cena. Nenhum corpo que soubesse habitar a cena, que soubesse proteger-se com técnicas ou truques, que soubesse fingir.

E eu pergunto: o que implica deslocar os skaters que vemos na rua, na Praça da Liberdade (em Almada), para o palco? O que implica ter skaters em cena e não actores que finjam saber praticar skate? Como conceber um objecto teatral com elementos que não pertencem ao teatro? Gosto de subversão dos seus movimentos, da adaptação ao desconhecido, ao que não dominam, procurando uma ambiguidade do gesto e da acção. Os seus corpos são confrontados com novas situações. Da mesma forma que os espectadores também são confrontados com novas propostas do reconhecível.

Porque é que há pessoas, acções e gestos que não nos dizem nada quando acontecem fora do espaço teatral da cena? A única hipótese que se pode criar prende-se com a dimensão profundamente sagrada da cena. Não que ela rivalize com os ritos e cerimónias religiosas, mas porque nela se ritualiza e sacraliza um momento. O teatro que faço não imita a vida, mas extrai dela a energia de um verdadeiro espaço sagrado. Nos meus trabalhos, tal como em Skaters, o que se passa em cena são momentos de vida que estão a suceder nesse momento, que não são de representação.

John Romão

Agenda

2008-04-03T16:42:00.186+01:00

2012

16 Janeiro, Eira 33 (Lisboa):

Residência artística: Peça do Coração de Mariana Tengner Barros.

23 Janeiro, Kampnagel Hamburg (Hamburgo, DE):

Gólgota Picnic de Rodrigo García.

17, 24 e 25 Fevereiro, La Casona Iluminada (Buenos Aires, Argentina):

Performance Hambre de Lolo & Lauti e John Romão.

20 a 24 Fevereiro, Timbre 4 (Buenos Aires, Argentina):

Workshop de criação teatral dirigido por John Romão.

4 Março, São Luiz Teatro Municipal (Lisboa):

Boris Yeltsin de Mickael de Oliveira, encenação de Nuno M. Cardoso.

16 e 17 Março, Théâtre Le Phénix (Valenciennes, FR):

Esto es así y a mi no me jodáis de Rodrigo García.

23 e 24 Março, Théâtre Couvert (Chateauvallon, FR):

Esto es así y a mi no me jodáis de Rodrigo García.

28 e 29 Março, Marstrand Festival - Black Box Theatre (Oslo, NO):

Morro como país, direcção de John Romão.

10 a 14 Abril, TanzTheater Wuppertal (Wuppertal, DE):

Workshop/colaboração com Damien Jalet para a Companhia Pina Bausch.

19 a 28 Abril (quinta a sábado), Teatro da Politécnica (Lisboa):

Agamémnon - vim do supermercado e dei porrada ao meu filho

de Rodrigo García, direcção de John Romão

Maio, Cine-Teatro de Estarreja (Estarreja, PT):

Agamémnon - vim do supermercado e dei porrada ao meu filho

de Rodrigo García, direcção de John Romão

4 a 7 Julho, Nowy Teatr (Warsaw, PL):

Gólgota Picnic de Rodrigo García.

29 Setembro, Festival Circular (Vila do Conde, PT):

estreia de Peça do Coração de Mariana Tengner Barros.

6 Outubro, Cine-Teatro São Pedro (Alcanena, PT):

Agamémnon - vim do supermercado e dei porrada ao meu filho

de Rodrigo García, direcção de John Romão

11 a 14 Outubro, Berliner Festspiele (Berlin, DE):

Gólgota Picnic de Rodrigo García.

Dezembro, Negócio/ZDB (Lisboa):

Residência artística da nova criação de John Romão e Marlene Freitas.

2011

7 Janeiro a 6 Fevereiro, Teatro María Guerrero / Centro Dramático Nacional (Madrid):

*Estreia e apresentações da nova criação de Rodrigo García, Gólgota Picnic.

15 e 16 Fevereiro, TAGV - Teatro Académico Gil Vicente (Coimbra):

Só os idiotas querem ser radicais - direcção John Romão.

16 Fevereiro, Casa das Caldeiras (Coimbra):

Ciclo Nova Dramaturgia Portuguesa: leitura performativa de textos inéditos de Ana Mendes, Mickael de Oliveira, Paulo Castro e Tiago Rodrigues

18 Fevereiro, RUA - Rádio Universitária do Algarve (Algarve):

texto radiofónico Anjinhos de Rodrigo García, interpretado por 8 crianças.

19 Fevereiro, Festival Verão Azul / CasaBranca, Centro Cultural de Lagos (Lagos):

Só os idiotas querem ser radicais - direcção John Romão

20 Fevereiro, Days off Sound, LAC / Antiga Cadeia de Lagos (Lagos):

Instalação sonora Vais ouvir fogo, filho da puta

direcção de John Romão, a partir do texto Anjinhos de Rodrigo García

22 e 23 Fevereiro, Casa das Caldeiras (Coimbra):

Workshop de teatro por John Romão e Mickael de Oliveira

25 Fevereiro, Teatro Miguel Franco (Leiria):

Só os idiotas querem ser radicais - direcção John Romão

14 a 19 Março, Théâtre Garonne (Toulouse):

Esto es así y a mi no me jodáis de Rodrigo García.

20 a 26 Março, Biennale de Venezia (Veneza):

Workshop com Jan Fabre.

9 Abril, Mostra de Teatro de Almada / Casa Municipal da Juventude de Cacilhas (Cacilhas / Almada):

Ensaio aberto de Agamémnon - vim do supermercado e dei porrada ao meu filho

de Rodrigo García, com Gonçalo Waddington, direcção de John Romão

17 Abril, Exodus Festival of Contemporary Performing Artes (Eslovenia):

Esto es así y a mi no me jodáis de Rodrigo García.

21 a 30 Abril (quinta a sábado), São Luiz Teatro Municipal (Lisboa):

Agamémnon - vim do supermercado e dei porrada ao meu filho

de Rodrigo García, com Gonçalo Waddington, direcção de John Romão

4 Junho (sábado), Plataforma Internacional de Artes Performativas Portuguesas (Montemor-o-Novo):

Morro como país, direcção de John Romão

7 Junho, RDP Antena 2:

texto radiofónico Anjinhos de Rodrigo García, interpretado por 4 crianças.

9 a 26 Junho (quarta a domingo), Teatro Nacional D. Maria II (Lisboa):

Horror ou breve estudo sobre a paralisia, nova criação de John Romão.

co-produção Colectivo 84 e TNDMII

6 e 7 Agosto, Festival Citemor (Montemor-o-Velho):

ante-estreia de Massacre, nova criação dirigida por Paulo Castro, com John Romão e Paulo Castro.

co-produção Colectivo 84 e StoneCastro

9 a 13 Agosto, Negócio/ZDB (Lisboa):

estreia de Massacre, nova criação dirigida por Paulo Castro.

co-produção Colectivo 84 e Stone/Castro

3 e 4 Setembro, Festival de la Batie de Genève (Genebra):

Esto es así y a mi no me jodáis de Rodrigo García.

13 e 14 Setembro, Casa da Esquina (Coimbra):

Workshop de fotografia com Susana Paiva.

21 e 22 Setembro, De International Keuze (Rotterdam):

Gólgota Picnic de Rodrigo García.

30 Setembro, 1 e 2 Outubr o, Steirischer Herbst (Graz, Áustria):

Gólgota Picnic de Rodrigo García.

9 a 17 Outubro, Bienal de Teatro de Veneza (Veneza):

criação e apresentação da performance Attore, il tuo nome non è esatto, dirigida por Romeo Castellucci.

12 Outubro a 10 Dezembro, Fundação PLMJ (Lisboa):

exposição de João Pedro Vale onde é apresentado o filme English As She is Spoke, de João Pedro Vale e Nuno Alexandre Ferreira.

20 a 30 Outubro, Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo):

residência artística de Memorabilia, um espectáculo dirigido por Jorge Andrade / Mala Voadora.

10 a 12 Novembro, Eira (Lisboa):

Fora de Jogo de Catarina Vieira e Solange Freitas.

13 a 21 Novembro, Théâtre Garrone (Toulouse):

Gólgota Picnic de Rodrigo García.

24 Novembro, TAGV - Teatro Académico de Gil Vicente (Coimbra):

Horror ou breve estudo sobre a paralisia, criação de John Romão.

co-produção Colectivo 84 e TNDMII

29 e 30 Novembro, Centro Cultural D. Dinis (Coimbra):

Workshop de criação teatral, com John Romão e Mariana Tenger Barros.

7 a 17 Dezembro, Théâtre du Rond Point, Festival D'Automne à Paris (Paris):
Gólgota Picnic de Rodrigo García.

2008-03-16T01:50:00.028Z

A DIRECÇÃO DO SANGUE

ENGLISH

Concepção e direcção: John Romão
Com: John Romão e as crianças Diogo Afonso, Rodrigo Pereira e Rodrigo Santos
Música original: Marsen Jules
Desenho de luz: José Álvaro Correia
Desenho de som: Jorge Pina
Design de projecções: Joana Areal
Assistência de direcção artística: Maria João Machado
Colaboração na dramaturgia: Solange Freitas
Figuração: Bruno Simão, Denilson Mário, Hugo Pires, Eduardo Galhardo Calçado, Manuel Liebaut, Nuno Pina, Rui Peixoto
Assistência de produção: João Belo
Fotografias: André Abreu
Co-produção: Murmuriu e Teatro da Garagem
Apoios: Câmara Municipal de Almada e Fundação Calouste Gulbenkian
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ESTREIA
19 a 30 Março 2008, Teatro Taborda (Lisboa)

integrado na primeira edição do Ciclo Try Better Fail Better / Jovens Criadores

Um destes dias, o John Romão escreveu-me a pedir para utilizar, no teatro, o título de um poema meu, A direcção do sangue. Eu não lhe disse nada, mas fiquei arrepiado, pois no meio de tantos versos, de tantas palavras, ele, mesmo sem saber (e este “sem saber” é, talvez, o que mais perturba), isolou uma frase que não é minha, mas que eu tinha ido buscar a Shakespeare. É como se as palavras conservassem uma espécie de voz de sangue, um clamor recôndito, uma herança ou uma perda que incessantemente procuram os seus. Ao teatro aquilo que pertence ao teatro, portanto.
Na biografia que escreveu sobre Shakespeare, o poeta Vítor Hugo começa por falar dele desta maneira: «E Shakespeare quem é? Quase se poderia responder: a Terra». O teatro é quase tudo. Tudo é do teatro.

José Tolentino Mendonça

(poeta, teólogo e professor universitário)

Em miúdo, o meu jogo preferido consistia em afinar o sentimento íntimo e familiar da minha vida à vertigem do desconhecido. Cada momento registado, cada fotografia, cada memória, é uma reconstrução desta vertigem, o encontro de duas paralelas: o fora e o dentro, o estatismo e a velocidade, as lágrimas e o fogo.
Os corpos vivem cada vez mais imaginariamente a sua história, a sua identidade e as suas relações, como se fossem animados por essa vida imaginária das imagens do corpo. A Direcção do Sangue interroga este mundo onde todos os valores e símbolos perdem o seu sentido e onde o homem deve escolher entre adaptar-se, custe o que custar, ou ousar afrontar o desconhecido procurando reinventar uma vida, as relações, os valores.

John Romão

A Direcção do Sangue, de John Romão:
Exercício sobre a infância, entre as flores e o sangue
Um palco quase vazio, flores e arbustos à nossa direita, e se prolongarmos o olhar podemos ainda ver uma pequena piscina infantil, quase encostada à parede branca do fundo. À nossa esquerda edifica-se um muro feito de protectores solares para carros, que se contrapõe à imagem vegetal e de água que todo o lado direito do palco proporciona. Estaremos a falar de uma dualidade?, entre a protecção, evocada pelos painéis de alumínio, e o gozo da liberdade da infância de uma piscina e de um mundo vegetal feito de terra? Esta criação coloca-nos um conjunto de questões temáticas e formais, logo de início.
O espectáculo começa, vemos um homem a correr, correndo à procura do ritmo dos seus passos, ou fugindo deles, assincronia logo acompanhada por um texto projectado contra a parede branca que elucida parcialmente a corrida inicial: ”Os meus amigos pensam/que eu vou às compras a pé/ para me manter em forma/ Não é nada disso/ São tentativas de fuga”. A fuga do perigo (de vários perigos), as fantasias e os medos próprios da infância, ou ainda a liberdade infantil que aqui vacila sempre entre o ingénuo e a crueldade serão os leitmotivs da composição que John Romão irá explorar para unificar um trabalho que navega entre as sensações, as imagens abstractas e a realidade imagética concreta, quase oferecida como bússola ao caos espectacular. (…)
O criador de A Direcção do Sangue tem assim como elemento temático centrifugador a infância, e todo o seu universo fantasioso, de desejos, ainda não padronizados por uma longa socialização, e de medos, mesmo se o medo se pode transformar rapidamente num desejo, tal como acontece em palco, quando a criança receia ser raptada mas em simultâneo deseja-o, debaixo das colchas, imaginamos nós. Para abordar a infância, John Romão ultrapassa um medo, desta vez adulto, o da representação – utilizando no seu elenco actores não profissionais e, neste caso, crianças com menos de 10 anos, para protagonizar o espectáculo, assim como alguns adolescentes, à semelhança do que fez com o seu penúltimo espectáculo, Skaters (Fórum Municipal Romeu Correia, Almada).
O encenador arrisca o seu espectáculo, entregando-o literalmente nas mãos frágeis de duas crianças que vão construindo imagens complexas, ousadas, que talvez elas próprias não entendem, ou entendem num outro nível de interpretação, como por exemplo, numa determinada imagem - cuja dramaturgia cénica se insere na ambiguidade entre as paisagens de “liberdade” e de “prazer” – em que um dos “miúdos” ergue cartazes em que lemos, entre outros slogans, “come-me”. Este come-me é lido pela criança como uma alusão à imagem infantil do “lobo mau”, enquanto que esta mesma poderá ser lida pelo público, numa eventual leitura divergente, como uma declarada alusão sexual, o desejo de uma criança sentir o prazer sexual reservado aos adultos. (…)
Neste último trabalho, John Romão visa assim promover o encontro entre o que existe e que queremos que exista, eliminando a falácia da fábula, a sua verosimilhança aristotélica, reconciliando, para além do que já foi referido (palavra e corpo), a realidade e o seu jogo - a sua simulação, reduzindo a distância entre o objecto real e o seu simulacro, pois o seu teatro procura para lá da ficção, a fragilidade do verdadeiro. (…)

Mickael de Oliveira
(dramaturgo)

Bio

2008-02-08T00:50:00.076Z

JOHN ROMÃO

Nasceu em 1984. Licenciatura em Teatro – Actores / Encenadores, pela Escola Superior de Teatro e Cinema. Curso internacional Nouvelle École des Maîtres (Projecto Thierry Salmon), com Rodrigo García. Curso de Estéticas eTeorias da Arte Contemporânea, Sociedade Nacional de Belas Artes. A sua formação inclui o contacto com artistas provenientes do teatro e da dança: Jan Fabre, Romeo Castellucci, Wim Vandekeybus, Mónica Calle, Vera Mantero, João Fiadeiro, entre outros. Em teatro, trabalhou com Paulo Castro, Jorge Silva Melo (Artistas Unidos), Tiago Rodrigues (Mundo Perfeito), Jorge Andrade (Mala Voadora), Nilo Gallego, Francisco Salgado, Rodrigo García (La Carnicería Teatro), Maria João Machado, Marcos Barbosa, Jean-Paul Bucchieri e Harvey Grossman. Entre 2006-2012 foi assistente de direcção artística do encenador hispano-argentino Rodrigo García (Prémio Europa de Teatro - Novas Realidade Teatrais, 2008), destacando Gólgota picnic (Centro Dramático Nacional de Madrid, 2011), Esto es así y a mi no me jodáis (Bonlieu Scène Nationale d'Annecy, 2010), Cruda, Vuelta y vuelta, Al punto, Chamuscada (Festival d’Avignon, 2007), Arrojad mis cenizas sobre Mickey (Théâtre National Bretagne, 2006), entre outros. Foi assistente de Romeo Castellucci na performance Attore il tuo nome non è esatto (Bienal de Veneza 2011).

Em cinema trabalhou com os artistas João Pedro Vale & Nuno Alexandre Ferreira e os realizadores João Pedro Rodrigues, Sérgio Brás D’Almeida e Manoel de Oliveira.

Dirige os seus espectáculos desde 2001, destacando Horror ou breve estudo sobre a paralisia (Teatro Nacional D. Maria II, 2011), Agamémnon (São Luiz Teatro Municipal, 2011), O arco da histeria (Negócio/ZDB, 2010), Morro como país (Festival Citemor, 2010), Só os idiotas querem ser radicais (Festival Materiais Diversos, 2009), Velocidade Máxima (Festival Citemor & Teatro La Laboral, 2009), 70kg (2009), Hipólito - monólogo masculino sobre a perplexidade (2009), A direcção do sangue (2008), Skaters (2008), Why can i be me (2005-2006), a vídeo-instalação Land Escape (2007), entre outros.

Prémio Jovens Talentos - Almada, Terra das Artes e da Criatividade (2010). Foi um dos vencedores do projecto Emergentes - Novos Criadores, promovido pelo Teatro Nacional D. Maria II (2011). Co-direcção artística do festival Encontros de Novas Dramaturgias Contemporâneas, que promove a nova dramaturgia portuguesa e europeia. Professor convidado na Escola Superior de Dança, onde leccionou Teatro (2009-11).

JOHN ROMÃO

Born in 1984. BA in Theatre – Actor / Theatre Director, Higher School of Theatre and Cinema (Lisbon). Internacional theatre course Nouvelle École des Maîtres / Project Thierry Salmon, by Rodrigo García. Course of Aesthetics and Theories of Contemporary Art, National Society of Arts (Lisbon). His formation includes the contact with artists from theatre and dance: Jan Fabre, Romeo Castellucci, Wim Vandekeybus, Mónica Calle, Vera Mantero, João Fiadeiro, between others. In theatre, he worked with Paulo Castro, Tiago Rodrigues (Mundo Perfeito), Jorge Silva Melo (Artistas Unidos), Jorge Andrade (Mala Voadora), Nilo Gallego, Francisco Salgado, Rodrigo García (La Carnicería Teatro), Maria João Machado, Marcos Barbosa, Jean-Paul Bucchieri and Harvey Grossman. From 2006-2012 he was assistant director of the Spanish-Argentine Rodrigo García (Europe Theatre Prize - New Theatrical Realities, 2008): Gólgota Picnic (Centro Dramático Nacional de Madrid, 2011), C'est comme ça et me faites pas chier (Bonlieu Scène Nationale Annecy, 2010), Cruda. Vuelta y vuelta. Al punto. Chamuscada. (Festival d'Avignon, 2007), Arrojad mis cenizas sobre Mickey (Théâtre National Bretagne, 2006), among others. He collaborated as performer and assistant director to Romeo Castellucci for the performance Attore il tuo nome non è esatto (Venice Biennale 2011).

In cinema he worked with the artists João Pedro Vale & Nuno Alexandre Ferreira and the directors João Pedro Rodrigues, Sérgio Brás D'Almeida and Manoel de Oliveira.

He is directing his shows from 2001: Horror or brief study about paralysis (Lisbon National Theatre D. Maria II, 2011), Agamémnon (São Luiz Teatro Municipal, 2011), I die as a country (Citemor Festival, 2010), The arch of hysteria (Negócio/ZDB, 2010), Only idiots wanna be radical (Materiais Diversos Festival, 2009), High Speed (Citemor Festival, 2009), 70kg (2009), Hippolytus - male monologue about the perplexity (2009), The blood’s direction (2008), Skaters (2008), Why can i be me (2005-2006), the video-installation Land Escape (2007), among others. Prize New Creation Almada, Terra Artes e Criatividade (2010). Awarded for the project Emergentes - New Creatives, by Lisbon National Theatre D. Maria II (2011). Co-director of the festival Encontros de Novas Dramaturgias Contemporâneas, who promotes the new portuguese and european dramaturgy. Teaching Contemporary Theatre at Higher School of Dance (Lisbon, 2009-11).

2008-02-07T01:50:00.026Z

LAND ESCAPE

[vídeo-instalação]

Concepção e direcção: John Romão
Câmera e fotografia: Sérgio Brás D’Almeida
Montagem vídeo: John Romão e Sérgio Brás D’Almeida
Actores: Diogo Bento e Sara Cipriano
Assistência de produção: Mariana Vasconcelos
Apoio: Câmara Municipal de Almada

APRESENTAÇÕES

25, 26, 27 Janeiro 2007
22 Março 2007 (Integrado na Quinzena da Juventude de Almada)
14 Fevereiro 2008 (Integrado na XI Mostra de Teatro de Almada)
sessões contínuas entre as 20h-23h
Casa Municipal da Juventude de Cacilhas - Ponto de Encontro (Cacilhas/Almada)

DO PROGRAMA:
Land Escape, a primeira vídeo-instalação de John Romão, apresenta em forma de díptico um dia da vida de um rapaz e de uma rapariga, mas desde o início um elemento de estranheza parece atravessar todo o trabalho. Cada projecção corresponde a cada uma das personagens e o facto de serem sincronizadas e instaladas paralelamente sugerem-nos à partida um diálogo directo entre as mesmas. No entanto, apenas existem monólogos ou pensamentos que se vão intercalando durante os cerca de 20 minutos de vídeo e que acompanham as acções que vamos assistindo.
Se por um lado a estrutura formal desta instalação nos despista, outros elementos de Land Escape remetem igualmente para um lugar estranho e de forte tensão, nomeadamente o uso de uma narrativa não linear, o tempo e a dissociação entre a imagem e o texto. John Romão opta por nos oferecer uma série de fragmentos vivenciais, pequenos momentos e acções que, filmados com uma câmara fixa e prolongados no tempo, parecem retratos fotográficos, apesar de estarmos perante um vídeo. A tensão vai ganhando cada vez mais presença ao longo do trabalho, pois a correspondência habitual da linguagem cinematográfica entre o que é dito e o que é observado também nos é retirada, reservando assim ao observador um lugar participante na criação de relações e leituras.
A particularidade deste trabalho reside na forma como o artista explora a ideia de movimento, relacionando-a com as questões anteriormente levantadas, e na forma subtil como o regista, de tal forma que as posições que os corpos das duas personagens adoptam parecem estáticas e quase escultóricas. A este propósito podemos evocar determinadas cenas deste vídeo entre as quais, o momento em que a rapariga se encontra com a cabeça contra a parede e com os braços caídos para baixo, movimentando ligeiramente as mão.

Apesar de se situar muito próximo da linguagem teatral, Land Escape ultrapassa este campo para estabelecer relações com outras áreas, como as Artes Visuais. Gregory Crewson, Erwin Wurm ou Jenny Holzer são três referências do artista, as quais identificamos. O primeiro nome, devido aos contextos suburbanos que introduz nas suas fotografias, o segundo por quase objectificar os corpos que fotografa ou filma, como podemos observar em One Minute Sculptures, e o último pela utilização de frases em jeito de slogans publicitários que evocam atitudes com implicações transgressivas e é exactamente também que para aí aponta o final da própria obra Land Escape, ao projectar uma sequência de frases marcadamente propositivas sob fundo preto.

Sofia Nunes

(curadora)

2007-08-26T15:50:00.019+01:00

WHY CAN I BE ME

Versão 2005

25 Fevereiro 2005
Fórum Municipal Romeu Correia (Almada)
Integrado na IX Mostra de Teatro de Almada

O lugar das coisas

[…] O espectáculo apresenta-se ao espectador como se já tivesse começado no momento em que este entra na sala. Os dois actores (John Romão e Maria João Machado) dispõem-se a uma exposição crua e descarnada, recusando assim um tempo que todos reconhecem como lhes pertencendo. O que quer que se possa passar nos bastidores do palco, os dois intérpretes apresentam em cena. Dessa forma, o espectador é levado a concluir que a proposta a que assiste pertence a um outro tempo que não o teatral e a uma outra realidade que não a da ilusão cénica. Talvez à da fotografia, que assenta num desejo de partilha nunca consumado (é essa uma das hipóteses de discurso que os dois propõem). Afinal, intérpretes e espectadores serão sempre duas forças em confronto.
A aposta em mostrar a preparação aproxima-se de uma recusa da ideia de que quem cria não se projecta no que apresenta. Os intérpretes estabelecem assim uma cumplicidade com quem também se prepara. No caso, para assistir ao espectáculo. Uma e outra parte, iguais em nome de uma experiência que se quer partilhada, mais do que apresentada. Assim, o espectáculo reclama a presença e a atenção de quem vê de formas nem sempre evidentes, mas que pretendem questionar as razões que levam alguém a optar ver um espectáculo de teatro. E, no limite, perceber que importância esse espectáculo têm. Why Can I Be Me aparenta, por isso, ser construído em função do espectador, uma vez que os criadores se batem pela ideia de um público activo, manifestante e actuante. Um público que perceba que não existe criação sem uma audiência e vice-versa. […]
Os criadores não pretendem fazer esta busca sozinhos e apostam num processo de sedução junto do espectador. Sedução essa que passa pela surpresa. Nomeadamente quando projectam um vídeo acabado de gravar que mostra as reacções do público a um número de playback feito por um travesti (Óscar Reis).
Durante a actuação deste travesti - distante da imagem de glamour que normalmente reconhecemos -, o público é levado a sentir que aquele limite de exposição é o que John Romão e Maria João Machado procuram, uma vez que mais do que se confundirem sexos, histórias e universos referenciais, o travesti é uma espécie de símbolo máximo da 'personagem'. Contudo, o jogo teatral está colocado na plateia, já que é ela que se expõe. E durante o mesmo tempo da canção utilizada, somos confrontados com o nosso comportamento. Deixamos, portanto, de ser anónimos espectadores para passarmos à condição de decisores. O que, em última instância, somos sempre que escolhemos ir ver um espectáculo. […] Mais do que uma proposta sobre o quotidiano (teatral ou não), Why Can I Be Me é uma busca de um sentido para saber a importância que as coisas têm. E, em última instância, nada é inocente. Como no princípio.

Tiago Bartolomeu Costa

(Fonte: omelhoranjo.blogspot.com)

Direcção: John Romão
Co-criação e interpretação: John Romão e Maria João Machado
Participação especial: Óscar Reis e Banda Filarmónica da Academia Almadense
Desenho de luz: Celestino Verdades
Figurinos: Rita Álvares Pereira
Fotografias: Rui Eduardo Botas
Produção executiva: Joana Camacho
Produção: Murmuriu
Apoio: Câmara Municipal de Almada

Versão 2006

3, 4, 5 Fevereiro 2006
Incrível Almadense (Almada)

Um espaço de festas recreativas, uma actriz, um actor e um travesti (copy-paste da sua realidade social para a realidade teatral) confrontam-se em cena. O travesti canta com a sua própria voz. A actriz revolta-se com o trabalho escasso e seduz o público afim de lhe dar de comer. O actor tenta criar um objecto artístico em directo, teorizando pateticamente sobre o corpo do travesti que martelou a uma cadeira.
Estes corpos, que ingerem compulsivamente e expulsam com horror, constroem paisagens visuais que misturam músicas, textos soltos e molhos de fast-foods, os quais são utilizados de forma insana e sangrenta, revelando a sua vertente de fruição libidinosa e consumista, o que propõe um trajecto que ultrapassa a representação cultural e se transforma num repertório de “fluxos” (Paul McCarthy).
Why Can I Be Me experimenta reflexos e equiparações entre arte e civilização, tentando-se provar que ambas são construções ou “corpos” culturais, e que nenhum dos dois é superior ao outro. Alimentam-se sim mutuamente porque padecem dos mesmos disfarces, algo que me permite entrecruzar o “eu artista” com uma reflexão sobre o “eu universal”, e reproduzir as rupturas interiores do indivíduo. Um indivíduo entendido como torpe actor e como patético construtor desse eu interior.

Direcção: John Romão
Interpretação: Cláudia Chéu, John Romão, Nyma
Desenho de luz: Celestino Verdades
Vídeos: John Romão com Maciej Michalski
Fotografia: Mário Rui Vieira
Produção executiva: Joana Camacho
Assistência de produção: Joana Serra
Produção: Murmuriu
Apoios: Câmara Municipal de Almada, CCB (Centro Cultural de Belém), Casa Conveniente, Instituto Português da Juventude